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Ghost Stories: La música como terapia

Con Coldplay en pleno proceso de elaboración del que será su próximo disco, A Head Full Of Dreams, parece que es una buena ocasión para analizar su anterior trabajo: Ghost Stories. Un caso algo llamativo en la discografía del grupo, que se vio catapultado por las circunstancias personales del líder de la banda y produjo unos frutos algo diferentes de lo que esperaba la crítica.

Nada más darle al play, se escucha un coro de voces sintetizadas que repiten una y otra vez la palabra “alchemy” (alquimia). Si bien esto podría parecer bastante raro y algo más propio de los Illuminati, en realidad tiene cierta lógica y un sentido bastante especial. A estas alturas, todo el mundo sabe que el líder del grupo Chris Martin estaba pasando por el “desemparejamiento consciente” de su mujer, Gwyneth Paltrow, cuando escribió la letra de las canciones de este disco. Pues bien, abrumado por este cambio en su vida personal, decidió buscar un profesor de “sufismo”, una práctica del Islam en la que se busca la verdad por medio del amor divino y la devoción. Una de las lecciones que le enseñó su profesor y que ha repetido en varias entrevistas es la siguiente:

“Si te paras a meditar y piensas en las experiencias que has vivido, esas experiencias transmutan y, en un proceso de alquimia, se convierten en algo nuevo y mejor.”

De hecho, Martin también ha comentado en alguna ocasión que hubo un momento en el que el disco se iba a llamar Alchemy hasta que se les ocurrió el nombre de Ghost Stories. ¿Y por qué Ghost Stories?, os preguntaréis. La razón es que el disco se ideó como un viaje al principio del cual el protagonista se ve derrotado por circunstancias adversas más fuertes que él y tiene que preguntarse: ¿voy a dejar que estas experiencias pasadas, mis fantasmas, afecten a mi futuro? ¿Voy a dejar que me derrumben y me dejen estancado? ¿O voy a usar esas experiencias para aprender de ellas y resurgir como una persona mejorada precisamente por haberlas vivido? Así, llega al final del viaje habiendo aprendido una valiosa lección.

Justamente sobre ese primer momento de estancamiento, habla la primera canción You’re Always in My Head. Y este es un buen comienzo para ponernos en situación, para dejarnos saber que este no va a ser un disco más de Coldplay, sino que va a ser algo muy personal y muy íntimo. Martin usa las letras de las canciones para desahogarse y en el proceso se queda totalmente expuesto y vulnerable. Tan vulnerable que sorprende y a veces inquieta, como en la pista True Love en la que casi con una voz desgarrada canta “dime que me quieres, y si no me quieres, entonces miente, miénteme”.

Aunque también sorprende por la simplicidad, ya que Coldplay siempre ha tenido unas letras bastante complejas, con múltiples referencias intertextuales, pero en este disco no es así. Es más, el propio cantante dijo en una entrevista que concedió a Zane Lowe de la BBC Radio 1, que sabía perfectamente que él no tenía un don para hacer letras complejas como Jay Z, pero que también sabía que podía asegurarse de que lo que cantase fuese sincero. En resumen, que no le importaba si no le gustaba a nadie el resultado que había obtenido porque era la verdad; “es tan verdad como mi nariz”, añadía con una sonrisa.

En cuanto a la melodía, un hecho que hay que recalcar es que en este disco han reducido el número de capas de instrumentos en casi todas las canciones con una gran excepción en A Sky Full of Stars, de la que hablaremos más tarde. Esa reducción de capas es lo que hace que suene más íntimo. Por ejemplo, el inicio de Magic solo tiene una base de percusión ofrecida por Will, un riff en la guitarra de Guy y a Martin cantando la letra. Y en realidad no se necesita más, si esas fuentes, esas capas, son realmente buenas. Y en el caso de Magic, lo son.

Pero pasemos a Midnight, la canción que ocupa la posición central del disco y una de las que se derivan más del sonido al que nos tiene acostumbrados Coldplay. Uno de los culpables de este sonido tan distinto es Jon Hopkins, un productor británico que compone música electrónica y que ayudó al grupo con esta canción. Fue él el que aportó la base sobre la cual Martin escribió la letra, una de las más místicas del disco, hay que añadir. Él mismo ha confesado que no sabe muy bien lo que quería decir, pero que la frase “leave a light on” se le ocurrió cuando escuchaba un verso de la canción Anthem de Leonard Cohen:

“There is a crack in everything, that’s how the light gets in”

(Hay una grieta en todas las cosas, así es como entra la luz)

Es decir, sí, las cosas se rompen, pero eso no quiere decir que tengas que rendirte, sino que ahora tienes una oportunidad para construir algo mejor con los pedazos que tienes. En los momentos oscuros, siempre hay algo de luz.

Después de Oceans, quizás la canción más acústica y redonda del disco y la que recuerda más al Coldplay de Parachutes, se nos ofrece una misteriosa mezcla del sonido en bucle de un disco rallado, campanas y las olas acariciando la arena. Así llegamos a A Sky Full of Stars. Probablemente, esta sea la canción más importante del disco, la que ofrece el tema central de una forma más clara y también la más polémica.

La verdad es que por declaraciones suyas, sabemos que Coldplay llevaba tiempo queriendo hacer una canción que sonase como las de Avicii, donde la gente pudiese saltar en los conciertos y desfogarse. Sin embargo, también es verdad que Martin tuvo que pelear para que la canción estuviese en el disco, ya que el resto de miembros no entendían por qué si estaban haciendo un disco íntimo, tenían que incluir esta pista con un sonido tan potente. Al final, el cantante los convenció haciendo que escuchasen las canciones en orden y explicándoles que el resto de pistas era una forma de desahogarse y deshacerse de todo lo negativo que estaba experimentando y esta canción era una forma de decir “vale, ahora que me he quitado eso de encima, puedo disfrutar de la vida y puedo irme a bailar”. Y la verdad es que el aire fresco que trae la canción sienta muy bien. En gran parte porque fueron lo suficiente astutos para introducir esa transición de sonidos de la que hablábamos antes después de Oceans como forma de preparación para lo que se acerca. De todas formas, aunque sea una canción similar a las de Avicii, se puede percibir algo diferente en el sonido y esto es debido a que siguieron el siguiente procedimiento: primero grabaron toda la canción al estilo Coldplay con Martin al piano y luego, por separado, Avicii grabó la canción a su estilo. Después, pasaron varias semanas entretejiendo los dos sonidos, y el resultado es lo que se puede oír a partir del minuto 2:50.

Terminamos con O, la calma después de la tormenta. De la melodía destaca especialmente la ilusión que crea Johnny con su guitarra para hacernos creer que oímos pájaros en la distancia. Por otro lado, Martin ha confesado que esta canción era su manera de decir: “eres increíble, no dejes de serlo, pero mientras tanto yo intentaré mejorar.”

“Fly on, right through, Maybe one day I’ll fly next to you”

(Sigue volando, quizás algún día podré volar a tu lado)

Después de esta pista, hay otra escondida en la que se oye el misterioso coro de voces que oíamos al principio del disco. Y es que no es coincidencia que O sea también un círculo. Pero en esta ocasión hay algo muy especial en ese coro: la voz de la hija del propio Martin, Apple, cantando la frase “don’t ever let go” (no te rindas nunca). Ese detalle es todavía más importante si tenemos en cuenta que es lo que escuchaba el grupo antes de actuar en los conciertos exclusivos que dieron en la diminuta gira para promocionar el disco.

En definitiva, Ghost Stories no es a los que nos tiene acostumbrados Coldplay, pero eso no quiere decir que no haya que tomárselo en serio o que haya que infravalorarlo. Se trata de un disco simple sí, pero es difícil hacer cosas simples y que suenen así de bien. Por nuestra parte, estamos deseando ver que nos traerán con el nuevo disco, A Head Full Of Dreams.

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