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7 películas de la 50 edición del Festival de Sitges que nos han encantado

No podíamos despedirnos del Festival de Sitges sin hacer un ránking de nuestras películas favoritas de esta edición (dentro y fuera de la sección oficial). Apuntad estos títulos y corred al cine cuando se estrenen, no lo lamentaréis.

‘La forma del agua’: el lado más tierno de Guillermo del Toro

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Ganadora del León de Oro en el Festival de Venecia, La forma del agua inauguró el Festival de Sitges con una calurosa acogida. Sirviéndose de la fotografía clásica de Dan Laustsen y la banda sonora elegante pero juguetona de Alexandre Desplat,  poco a poco la película nos va sumergiendo en una atmósfera de cuento de hadas a la que terminaremos sucumbiendo por el encanto que desprenden sus personajes: una suerte de princesa con mucho más ingenio y sentido del humor que las versiones bidimensionales de Disney (Sally Hawkins), un malo muy malo (Michael Shannon) y, por supuesto, la bestia. Podemos decir sin miedo a equivocarnos que La forma del agua nos desvela el lado no más inocente, pero sí más tierno de Guillermo del Toro, ya que en esta extraordinaria fábula ocupan una posición central conceptos tan sentimentales y emotivos como el amor, la amistad, la soledad o el clásico enfrentamiento entre el bien y el mal.

Lo cierto es que el número acrobático de del Toro en La forma del agua es de alto riesgo y, en ocasiones, hasta sin red. El guion se mueve por la fina línea que separa lo adorable de lo empalagoso sin llegar nunca a caer al vacío, y la narrativa mezcla el romance con una historia de espías digna de la época en la que se enmarca el film. Todo equilibrado gracias también a la pequeña dosis de realismo que aportan los elementos de madurez que del Toro no ha coartado, fiel a su estilo.

Tampoco deberíamos olvidar que esta historia de personas normales y corrientes que se enfrentan a un autoritarismo retrógrado llega en una situación política concreta. Habrá algunos que vean en el último trabajo del director mexicano una bonita fábula sobre el amor, pero otros verán en ella un mensaje claro: “Lo único que necesita el mal para triunfar es que los hombres buenos no hagan nada”.  Sea como fuere, lo cierto es que La forma del agua ha sido una forma extraordinaria de empezar esta 50 edición del Festival de Sitges.

‘Wind River’: a la caza del thriller perfecto

Wind River - 70th Cannes Film Festival, France - 19 May 2017

Taylor Sheridan debuta en la dirección con esta película de suspense en la que seguimos los pasos de un veterano cazador (Jeremy Renner) y una agente novata del FBI (Elizabeth Olsen) en su investigación del asesinato de una chica nativo americana, cuyo cuerpo aparece en la nieve en extrañas circunstancias.

Sheridan utiliza ese ambiente gélido y salvaje para construir un thriller que nunca pierde el ritmo y en el que la tensión no hace más que acumularse gota a gota hasta su resolución final. El director tejano ya demostró en Sicario y Comanchería (nominada al Oscar a mejor guion y mejor película) que sabe bien que la clave para atrapar al espectador en la trama es que empatice con sus personajes. Y para crear esta empatía recurre a una forma de hacer cine de la vieja escuela un tanto olvidada y que muchos añoramos: dejar que sus protagonistas no sean meros autómatas y, de vez en cuando, conversen. Un recurso sencillo y harto abandonado en estos tiempos modernos en el que cada minuto cuenta y que empleado con la mano izquierda con la que escribe Sheridan, no solo da frases para el recuerdo, sino que consigue que el público se meta en la cabeza de los protagonistas y les siga fielmente allá donde vayan.

Y en Wind River vamos hacia un film en el que el caso del asesinato de una chica nativo americana sirve también para tratar un tema político de importancia para el director: el abandono por parte del Gobierno central de las reservas indias. De hecho, expresó en el Festival de Cannes su desprecio por la manera en la que trata la administración a ese estrato demográfico y con la película nos recuerda que ni siquiera se guarda un registro de las mujeres desaparecidas de esta etnia. Un matiz político que nunca falta en los guiones de Sheridan y que enmarca este film cuya guinda es la banda sonora de Nick Cave y Warren Ellis.

‘Loving Vincent’: ¿qué mató a Vincent Van Gogh?

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Años después de la muerte del famoso pintor, un joven llamado Armand Roulin intenta encontrar al hermano de Van Gogh y entregarle la carta que escribió el día anterior a su suicidio. En esta misión, no solo descubriremos posibles alternativas a la versión oficial de la muerte del pintor, sino que se nos abrirá una puerta a su alma.

Aunque el dato que se utiliza para llamar la atención del público sobre Loving Vincent es que es la primera película en pintarse a mano en la historia del cine, con un equipo de cien artistas pintando al óleo los fotogramas al estilo de Van Gogh, y esto indudablemente la convierte en un hermoso espectáculo visual, no es este elemento lo que hace que esta película de animación sea extraordinaria. Lo que consigue que Loving Vincent sea una película redonda es que su guion se aleje del manido biopic y se acerque al estilo de una historia de detectives, intentando resolver el supuesto caso cerrado de la muerte de Van Gogh.

Así, una vez despertada la curiosidad del espectador, los distintos testigos y posibles sospechosos irán revelando datos de su aciaga vida que nunca transcendieron al gran público y que nos aproximarán cada vez más a la esencia de Vincent, sin importarnos ya que fue de Van Gogh.

‘The Killing of a Sacred Deer’: la inmoralidad de la justicia

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The Killing of A Sacred Deer se llevó el Premio a Mejor Guion en el Festival de Cannes y en ella Yorgos Lanthimos nos presenta a Steven Murphy (Colin Farrell), un distinguido cirujano y entregado padre de familia que oculta un secreto: a veces, queda con un adolescente. Estas reuniones acabarán poniendo a Steven en un imposible dilema moral.

The Killing of a Sacred Deer es un corte al bazo y otro al subconsciente. El sentimiento de incomodidad se va colando poco a poco en la mente del espectador a medida que las piezas del puzle van encajando, con un Lanthimos retorcido hasta en su sentido del humor. La familia del doctor Murphy, aparentemente perfecta, poco a poco se va hundiendo en el extraño juego de poder bajo el que se ven sometidos y el público se va derrumbando con ella.

El guion es quirúrgico y aséptico hasta en la forma en la que lo enuncian sus intérpretes, donde despuntan Colin Farrell y Nicole Kidman. Pero quizás el problema de este film sea que Lanthimos se empeña tanto en explotar cada variante que podría tomar la trama, que el metraje al final acaba siendo demasiado prolongado. Por supuesto, cabe advertir que, al igual que el resto de filmografía de Lanthimos, esta película no es para todos los públicos, pero se disfrutará si se conecta con la búsqueda emocional en la que quiere embarcarnos el director griego.

‘Brawl In Cell Block 99’: no habrá paz para los malvados

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Bone Tomahawk, el trabajo anterior del guionista y director S. Craig Zahler, fue una de las películas estrella de la 48ª edición del Festival de Sitges, un western con una tribu de indios caníbales que se llevó el Premio a Mejor Dirección. En Brawl In Cell Block 99, esta vez Zahler nos cuenta la historia de Bradley, un exboxeador que se ve obligado a trabajar transportando droga para un amigo. Sin embargo, uno de los trabajos saldrá mal, resultando herido en un tiroteo y acabando ingresando en la cárcel en la que le chantajearán para realizar actos violentos.

Que S. Craig Zahler se siente atraído por historias preñadas de violencia, ya lo sabíamos por el resto de títulos de su filmografía, y Brawl In Cell Block 99 no iba a ser diferente. La brutalidad de algunas de sus escenas hace que el espectador contenga la respiración y se retuerza en la butaca del cine más de una vez. Sin embargo, el esqueleto de este film no tiene ningún recoveco y la línea narrativa central avanza de forma bastante directa, recayendo todo el peso de la trama en el protagonista y su habilidad para superar los obstáculos que se interponen en su camino.

Es por eso que la pieza clave de Brawl In Cell Block 99 no es otra que el actor protagonista Vince Vaughn. Un intérprete capaz de mostrar ira contenida incluso en los momentos más violentos del film, y a la vez, transmitir en gestos escuetos y sutiles pequeñas dosis de dulzura atípicos en un personaje de sus características. Brawl In Cell Bock 99 no es superior al trabajo anterior de Zahler, pero sí un ejercicio de guion elegante en su simpleza y eficiente en su ejecución.

‘Happy Death Day’: un cumpleaños de muerte

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El día de su cumpleaños empieza como otro cualquiera para Tree, universitaria a la que solo le importa salir de fiesta y pasárselo bien, sin importarle mucho las personas de su alrededor. Sin embargo, lo que Tree no sabe es que este cumpleaños será muy diferente, ya que al caer la noche, será brutalmente asesinada por un enmascarado. Cuál será su sorpresa cuando despierte al instante en la cama y compruebe que no solo sigue viva, sino que vuelve a ser el día de su cumpleaños. Desconoce quién ha intentado matarla, pero pronto descubrirá que no dejará de revivir ese fatídico día hasta que lo averigüe.

¿Qué pasaría si se hiciera un slasher de Atrapado en el tiempo? Pues que obtendríamos un film cuyo único objetivo es entretener y divertir al público y Happy Death Day lo cumple al cien por cien. Esta película tiene la virtud de un producto que sabe lo que es y sabe utilizar sus recursos, que aunque escasos, funcionan para dar ritmo a un guion que se mueve en el bucle temporal sin agotar al espectador, sino más bien al contrario, haciéndolo cómplice.

Esto en parte se debe a la mezcla de la tensión típica del género y los diálogos cómicos dignos de Mean Girls, y en gran parte al carisma de su actriz protagonista, la desconocida Jessica Rothe, cuyo mayor mérito hasta la fecha ha sido ser la compañera de piso de Emma Stone en La La Land. Aunque después de este personaje, vaticinamos que la veremos en muchos otros papeles de este estilo en un futuro próximo. De momento, Happy Death Day ya ha superado en la taquilla estadounidense a Blade Runner 2049 con una recaudación de 26,5 millones de dólares.

‘How To Talk To Girls At Parties’: la revolución punk llega al espacio

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John Cameron Mitchell (Hedwig and The Angry Inch) vuelve a dirigir cine después de un parón de siete años para adaptar este relato corto de Neil Gaiman publicado en 2006. Ambientada en la Inglaterra de los años setenta, la película nos cuenta como Enn, un adolescente punk, conoce a Zan, una chica un tanto peculiar que viene de otro planeta.

El primer acto de este relato interestelar entra como una bala, adentrándonos en la pequeña revolución punk de Enn y sus dos amigos en los suburbios de Londres que tiene su momento culmen en una fiesta algo peculiar en la que el látex campa a sus anchas y los trucos acrobáticos no escasean. Sin embargo, el film pierde fuerza hacia la mitad del metraje, con un guion que da bandazos alrededor de los personajes de Zan y Enn, sin llegar nunca a la esencia de su relación. Afortunadamente, en el tercer acto, Nicole Kidman se encarga de recoger la antorcha y, como reina de los punks (o reina de los goblins por su aspecto) lleva el film a buen puerto, al que se suma una Ruth Wilson desternillante, en el que puede que sea su papel más cómico hasta la fecha.

Lo cierto es que puede que a John Cameron Mitchell y su coguionista Philippa Gosletta les haya pesado el ligero número de páginas del relato de Gaiman (dieciocho en concreto) y de ahí que su guion se desmenuce ligeramente hacia la mitad del film, pero eso no quita que How To Talk To Girls At Parties sea una más que digna adaptación y una película más que disfrutable, con una Elle Fanning que sabe capturar la extrañeza y dulzura de su personaje y una Inglaterra setentera de fondo que nos muestra un país muy diferente al actual, uno que suena a los Sex Pistols y los Buzzcocks y no al rancio Brexit.

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  1. Pingback: Estrenos en crudo: donde esté un buen slasher, que se quiten las gafa de pasta | NO SUBMARINES

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