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Madrid es Ruido: Ruido y mucho más

Dice el cartel promocional de Madrid es Ruido que es el festival de shoegaze más importante de España. Mienten. Madrid es Ruido es mucho más.

Con muchas horas de trabajo entre bambalinas y más ilusión que presupuesto, Madrid es Ruido se ha convertido en un oasis sonoro para los amantes de la buena música. Con una clara directriz estilística, no pretenden cegar retinas con sus cabezas de cartel. Su objetivo es bien diferente y lo tienen más que claro.

Madrid es Ruido busca a un público minoritario y erudito, que comprende y disfruta de propuestas musicales alejadas de los grandes circuitos. Propuestas sólo aptas, para paladares exigentes en búsqueda de nuevas emociones sonoras. Si lo tuyo es la distorsión sin límites, las guitarras plagadas de efectos, las atmósferas ruidosas y melódicas, las voces susurradas, la retroalimentación y los acordes infinitos, este es sin duda tu espacio.

En la intimidad de la sala de conciertos MobyDick y durante los días 23 y 24 de noviembre, podrás disfrutar de un cartel mimado con intención, escrúpulo y acierto. Un cartel que reinventa y contemporiza un sonido imperecedero y atemporal. Un cartel exquisito que te desgranamos en nuestra crónica de hoy.

AIR FORMATION

Matt Bartram como guitarra y voz, Ben Pierce al bajo, James Harrison en la batería, Ian Sheridan en la guitarra y Richard Parks a los teclados, forman desde el año 2002 un pedazo de grupo llamado Air Formation.

Abanderados del llamado shoegaze moderno, la banda se ha ganado el respeto de una legión de fieles seguidores. Aclamados por la crítica internacional son todo un referente dentro de su estilo musical, aunque por desgracia nunca antes habían tocado en España.

Desde Sussex a Madrid, llegan este año a Madrid es Ruido con nuevo LP bajo el brazo. Bajo el título de Near Miss vendrán a presentarlo en un directo, que prometer ser una de las citas musicales del otoño. Si te gustaban grupos como The Cure, My Bloody Valentine, Spacemen 3, Spiritualized, Spectrum, The Velvet Underground, Slowdive, Mogwai, o Yo La Tengo…definitivamente no te los puedes perder.

PIA FRAUS

Mucho ha llovido desde la primavera de 1999, en la que Pia Fraus se convirtió en el mejor conjunto de rock y pop de Estonia.

Unos cuantos chaparrones han tenido que pasar, hasta llegar a lo que hoy es su actual sonido. “Precioso”,”etéreo”,”armonías deslumbrantes” o “belleza inconfundible” son sólo algunos de los calificativos con los que la crítica especializada define el trabajo de este maravilloso sexteto. Un grupo que construye un sonido elegantemente sombrío, dominado por la melancolía y el optimismo a partes iguales. Voces etéreas y sutiles, guitarras oscuras y una marcada tendencia hacia la electrónica conforman las pautas de su actual sonido. Una apuesta por la clase y el misterio.

CEREMONY

Desde la costa este de los Estados Unidos llega este pedazo de grupo. Corría el año 2005 cuando John Fedowitz formó Ceremony junto con su amigo Paul Baker. Ambos eran miembros de Skywave, una banda que tuvo un gran impacto en el shoegaze americano a finales de los años noventa. Ahora junto a Sandra Fedowitz en la batería y James Day en el bajo, vendrán por primera vez a España.

Con nuevo LP en su mochila, nos presentan EAST COAST, un álbum hecho para el escenario. Líneas de bajo contundentes, guitarras que perforan los oídos, baterías analógicas y voces intensas para dar forma a un sonido seco y crudo. Ya estamos contando los días para verlos en directo.

JAGUWAR

La vida musical de esta banda comenzó en Berlín en el año 2012. Primero como un dúo, formado por Oyèmi y Lemmy y dos años más tarde junto a Chris, en la batería que se incorporaría para completar la alineación actual.

2017 se convirtió en un año clave para la banda. Allí en los idílicos alrededores de Baviera, grabaron lo que se convertiría en su trabajo más mediático hasta el momento: Ring Thing. Guitarras, bajos y amplificadores, junto con multitud de efectos más dieron forma a su personalísimo sonido. Un disco pétreo e inquebrantable que forma un muro inalterable. A medio camino entre The Cure y Ride, si ambas bandas te gustan lo que hace Jaguwar sin duda te va a sorprender.

LINDA GUILALA

Ya hemos declarado sin pudor alguno que somos fans de esta banda. No porque sean gallegos, ni porque Iván y Eva sean absoluto amor en las distancias cortas. Nuestra pasión tiene como fundamento su maravilloso talento y esa forma tan humilde de construir temas que son en sí enormes.

Junto con Mari, alías Visceral Eyes, a la guitarra para sus directos, Linda Guilala ofrece un sonido repleto de texturas, ambientes psicodélicos, guitarreo contundente, emoción y belleza.

Primavera Negra es hasta el momento su último trabajo, aunque sabemos que lo será por poco tiempo. Preparando actualmente nuevos proyectos participaran un año más en Madrid es Ruido. Herederos del más puro estilo shoegaze, construyen un nuevo sonido matizado con tonalidades melancólicas, delicadas y volátiles. Una auténtica delicia escucharlos.

MARTES NIEBLA

Martes Niebla han aterrizado en el complicado mercado musical este 2018 y lo han hecho con un EP homónimo. Paco Arenas, Inés Olalla, Cristian Bohórquez junto a Davis Rodríguez, Escuelas Pías y Erica Pender dan forma a esta joven banda sevillana.

Guitarras luminosas; juegos de voces que crean texturas a tres bandas, letras en dos idiomas, ritmos vertiginosos y bases electrónicas que se alternan con la batería. Así es su sonido. Melancolía, alegría, furia y misterio. Un estallido de creatividad potente y refrescante, lleno de energía y que merece la pena ser vivido en directo.

MONTE TERROR

Juanjo Rodríguez en la batería, Miriam Cobo a la guitarra y voz, Dani Salvador a la guitarra y Juan Muñoz en el bajo, son un grupo llegado desde Almería rebautizados como Monte Terror.

En Madrid nos presentarán su nuevo trabajo el cual lleva por título El último verano de nuestra juventud. Un disco lleno de intensidad y furia. Lleno de impulsos descomunales, atmósferas llenas de reverb, ruido y tensión, su música mezcla pop, shoegaze y noise, junto a brillantes melodías y grandes dosis de sensibilidad.

UNIFORMS

La historia de este grupo comienza allá por el año 2016 en Jaén. Dos de sus componentes Pan Castellano como batería y Natalia Spingel a la guitarra, empiezan a hacer música juntas sin tener demasiado claro a donde quieren llegar.

Compartiendo su afición por los sonidos noise, shoegaze, psicodelia, garage y rock incluyeron en el grupo a Laura Alva al bajo y la malagueña Annie, como voz del grupo. Además, esta última añadió la musicalidad de sus sintetizadores aportando a la banda un aire más profundo entre el dream pop y la música electrónica.

Con un nuevo proyecto entre manos a punto de salir a la luz, vendrán a Madrid Es Ruido para mostrarnos aquello que mejor saben hacer, tocar en directo.

Puedes adquirir tus entradas en los siguientes puntos de venta: Escridiscos, La Integral, Molar Discos y Discos Bajo el Volcán, así como en el portal de venta de entradas online www.ticketea.com. Las entradas de día cuestan 17€ y el abono de dos días 32€. ¿Te lo vas a perder?

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WOS Festival 2018: un año más alimentando a la vanguardia

Desde sus inicios hace ya cinco años, la apuesta cultural del WOS Festival se ha convertido en un referente indispensable para un público ávido de nuevas propuestas. Un espacio absolutamente necesario para calmar la sed de vanguardia e impregnarse de multiculturalidad y talento. Un espacio libre, comprometido y heterogéneo. Un espacio donde descubrir, disfrutar y experimentar. Un espacio diferente y arriesgado, no apto para todos los paladares, pero siempre abierto a nuevos estómagos.

Si para ti la cultura es creación, diversidad y experimentación sin límites, ésta es sin duda tu propuesta. Nosotras un año más hemos tenido la suerte de vivir una nueva edición del WOS Festival. No os perdáis nuestra crónica donde desgranamos lo más destacable de su programación de fin de semana.

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Viernes 14 de septiembre

La ciudad de Santiago de Compostela es en su naturaleza y esencia una encrucijada de caminos. Cosmopolita e histórica al mismo tiempo, en ella cohabitan en perfecta simbiosis tradición y vanguardia. Con este espíritu como telón de fondo, diferentes propuestas culturales salpican los espacios más emblemáticos de la ciudad. Belleza que se suma a belleza. Y una atmósfera especial e irrepetible.

Nos trasladamos a una de las mejores salas de conciertos que existen en el territorio nacional. La Sala Capitol abre sus puertas a unos gigantes de la música. Con más de veinte años de trayectoria, Alex Paulick, Andreas Reihse, Detlef Weinrich, Stefan Schneider y Thomas Klein, llegan desde Alemania para dar forma a una de las grandes actuaciones que este año nos ha traído el WOS Festival.

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Kreidler. Foto WOS Festival

Marzo de 1994. Cuatro amigos de Düsseldorf habituales de los circuitos locales de poesía y activismo político, procedentes de otras bandas y experiencias artísticas previas, formaron Kreidler. ¿Su directo? Una explosiva y perfecta mezcla de estilos, que oscilan desde el abstract, el ambient, el spoken word, el techno, el deep house o la música electrónica. Referentes indispensables dentro de las prolíficas vanguardias alemanas, poseen una extensísima discografía y una audiencia absolutamente incondicional.

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Kreidler. Foto WOS Festival

A Santiago de Compostela han venido para presentar su último disco, editado en el pasado 2017 bajo el título de European Song. Un disco con cinco pistas y compuesto en un solo día, inspirado en la caída y decadencia de la sociedad moderna. Durante el directo Kreidler logra una armonía particularmente diabólica. Retorciendo ritmos abstractos del krautrock, añade a su composición melodías flotantes que llegan a extenderse en progresión durante más de trece intensos minutos. Unos maestros que nos regalan un directo impecable.

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Kreidler. Foto WOS Festival

Hora bruja en la Sala Capitol, para recibir a un dúo que no te dejará indiferente. Vienen desde el lejano Japón y se hacen llamar Group A. Ellas son dos. Tommi Tokio como sintetizador, voz y percusión y Sayaka Botánic al sintetizador. ¿Su directo? Una sorpresa exquisita, compleja y exótica nunca antes vista. Un cóctel hipnótico que se mueve entre la música y la performance, combinando electrónica experimental, avant garde, sintetizadores y sonido post industrial.

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Group A, Foto WOS Festival

Por si todo esto fuera poco, su directo se presenta enmarcado en un contexto visual repleto de efectos sorprendentes y cargado de la actitud y trasgresión que tanto les gusta a estas japonesas afincadas en Berlín.

Muros de sonido impenetrables, para un directo ecléctico donde los haya. Lecturas de poesía, pintura en vivo, “ruidismo” y experimentación sin barreras, que nos deja sin palabras. Con el cerebro abofeteado y las vísceras revueltas, necesitaremos un tiempo para digerir esta propuesta. Brutales.

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Group A. Foto WOS Festival

Llega la hora de los DJ´s. Madrugada en la Sala Malatesta. Con ustedes señoras y señores, una de las icónicas estrellas de este año en el WOS Festival. El productor neoyorquino experimental de techno, Ron Moreli. Más conocido por ser la mente pensante que está detrás de L.I.E.S. (Long Island Electrical Systems), hablamos del padre de uno de los sellos de música electrónica underground más reconocidos en la escena independiente.

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Ron Moreli. Foto WOS Festival

Admirado, imitado y cuestionado por sus mezclas eclécticas, su trabajo nunca ha pasado desapercibido. Su música es reconocible por adoptar un enfoque nihilista, con influencias punk sobre el techno y el house. Demostrando su amplio conocimiento sobre la música, durante el directo construye sus composiciones utilizando sintetizadores fríos y sombríos, para expresar sensaciones de tensión, paranoia o aislamiento. De este modo fabrica un espacio único, que crece sonoramente a medida que avanza en su desarrollo. Imposible de catalogar estilísticamente, si algo tienen sus temas es una coherencia estética inquebrantable. Sonidos que oscilan desde la electrónica, al techno más retorcido, él lo-fi house, o a cualquier otra cosa que se le ocurra en ese preciso momento. Y es que con él es imposible adivinar qué sonará a continuación. Es simplemente la electrónica que viene del futuro.

Con la emoción aún latente, nos despedimos deseando ver que sorpresas nos tiene preparado el WOS Festival para la siguiente jornada.

 

Sábado 15 de septiembre

Comenzamos la tarde con el músico y productor Suso Saiz, considerado uno de los pioneros de la música New Age en España y uno de los fundadores de la Orquesta de las Nubes en 1980. Pionero de la música de vanguardia dentro de nuestras fronteras, su obra ha ido evolucionando constantemente sin dejar nunca su carácter experimental.

Contundencia sonora, espontaneidad, imaginación y sutileza, le han llevado a ser definido como un “arquitecto de sonidos”. Su obra siempre navega cerca de la electrónica, la world music y la vanguardia, creando unas texturas de extraña belleza. A Santiago ha venido a presentarnos su último trabajo Rainworks, editado el año pasado gracias al sello belga Music From Memory.

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Suso Saiz. Foto WOS Festival

Fruto de la colaboración con su hijo Emil y el pianista Ralph Killhertz, el disco fue creado originalmente para la compañía de aguas de las Islas Canarias, girando su temática en torno a la memoria del agua. Durante el directo están presentes las sublimes e inconfundibles atmósferas características de Suso Saiz. Enmarcadas bajo el estilo ambient y con ciertas reminiscencias a los minimalistas americanos, Suso Saiz nos sumerge en un viaje fascinante. Con su estilo elegante y preciosista asistimos a un directo que se funde con la de por si bellísima Iglesia de la Universidad, en un todo indisoluble. Silencio sepulcral y mucho respeto a un artista al que la música nacional le debe y mucho.

Cae la tarde en Santiago y llega una artista que sin duda despierta mucha curiosidad. La explosión de la escena musical del Cairo es imparable y Nadah El Shazly es su última gran sensación. Exvocalista punk, la ahora productora y compositora, descubrió el gusto por la música electrónica a través de la experimentación casera.

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Nadah El Shazly. Foto WOS Festival

Siempre con el cuño de la música tradicional árabe presente, su estilo es un híbrido que une la música tradicional árabe con el rock, el jazz, la electrónica y el avant-garde. Una obra la suya, que esconde dos años de intenso trabajo junto a Maurice Louca y Sam Shalabi.

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Nadah El Shazly. Foto WOS Festival

Sobre la terraza de la Fundación Eugenio Granell nos regala un directo cuyas claves sonoras nacen de la belleza de la guitarra, las melodías disonantes y una compleja percusión. Interconectando jazz, experimentación electrónica y el maqam arábico (el sistema de modos melódicos usado en la música árabe tradicional) Nadah se olvida de estructuras formales y convencionalismos, aunando tradición e improvisación, para regalarnos un bellísimo sonido.

Son las 20.00 horas en el Teatro Principal. Aguardamos a que abran las puertas para disfrutar de una de las propuestas más emblemáticas de esta edición del WOS Festival. Bajo el nombre de Continuum el artista y experimentador sonoro Paul Jebanasam se une al artista visual Tarik Barri para mostrarnos una ventana abierta a un universo, en el que complejas formas emergen e interactúan.

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“Continuum” de Paul Jebanasam y Tarik Barri. Foto WOS Festival

Nacido en Sri Lanka, Jebanasam es considerado como uno de los grandes nombres a nivel internacional en la experimentación electrónica. Artista visual y cabeza creativa de las composiciones visuales de Thom Yorke, el holandés Tarik Barri programa su propio software para desarrollar su performance audiovisual.

A través de una combinación inclasificable de ambient, metal, noise, música clásica contemporánea, música sagrada y composición moderna, nos presentan una obra impresionante y desbordante. Un espectáculo en el que el sonido y la luz nos arrastran hacia títulos ilegibles. Evocando fórmulas jeroglíficas, la importancia del mensaje se convierte en mínima. Su misión es sumergirte en su mundo de capas agresivas. Capas que chocan contra percusiones ruidosas, drones que son golpeados por objetos cósmicos y efectos espaciales llenos de luces y proyecciones.

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“Continuum” de Paul Jebanasam y Tarik Barri. Foto WOS Festival

Continuum es mucho más que un simple espectáculo. Es un proyecto conceptual que mira a las estrellas para explorar en tres partes el espectro de “la vida, el poder y la energía presentes en el universo“, siguiendo el esquema clásico de la música sacra. Se trata de una banda sonora que juega con líneas temporales. Composiciones que adoptan la complejidad del universo, los algoritmos matemáticos y el comportamiento celular. El concierto se sitúa en un punto de encuentro entre ficción, composición y filosofía. Pasado, presente y futuro expresados a través de sonidos y luces. Un espectáculo para el que no alcanzan las palabras y que requiere alejarse de convencionalismos, poner la mente en blanco, dejarse llevar y disfrutar.

21:00 horas y nos acercamos a ver los últimos instantes del directo de Lucy Railton. Prolífica chelista y compositora, su nombre puede encontrarse en incontables grabaciones de música contemporánea. Sus largos años de estudio, le proporcionaron la técnica necesaria para llegar al virtuosismo con su instrumento. Después llego la libertad y la experimentación. Con una capacidad excepcional para explorar los límites de la composición y la interpretación, llega al WOS Festival presentando su recién estrenado trabajo Paradise94, editado este año 2018 bajo el sello Modern Love.

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Lucy Railton. Foto WOS Festival

Combinando el violonchelo con otros instrumentos o sonidos, es capaz de elaborar texturas hiper complejas, llevándolas hacia nuevos límites experimentales. Más allá de cualquier limitación o norma, Lucy fabrica su personal sonido. Combinando la música erudita, con la música experimental, la electrónica y el jazz, su directo ha sonado magistral en un espacio tan maravilloso como es la Iglesia de la Universidad.

De regreso a la terraza de la Fundación Eugenio Granell esperamos a un artista tremendamente mediático. L@s fans de Oddisee estamos de enhorabuena. El artista de padre sudanés llega a Compostela, para compartir a través de la música sus experiencias como musulmán afroamericano. Amir Mohamed El Khalifa aka Oddisee se crio con una familia amante de la música. Hoy se ha ganado el ser valorado como una de las figuras más lúcidas y necesarias del rap underground. Su trabajo es un fiel reflejo de esa máxima esencial que está tras el hip-hop: dar voz para los que no tienen voz.

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Oddisee. Foto WOS Festival

Al WOS Festival llega con su último álbum bajo el brazo. The Iceberg es una llamada crítica al mundo actual, a temas como la raza, la política, la riqueza o la religión. Todo ello envuelto en un hip hop bailable, divertido y cargado de influencias del jazz. Un directo que es en sí mismo una auténtica fiesta. Actitud, flow a raudales y una explosión de funky sin igual, en la que el rapero y los músicos que le acompañan lo dan absolutamente todo. Divertidísimo y cercano, nos regala un directo lleno de energía, carisma y entrega sobre el escenario. Oddisee viene muy bien acompañado. Su banda la componen un grupo de jóvenes músicos que desprenden funky por cada poro de la piel y que son el perfecto complemento a su voz.

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Oddisee. Foto WOS Festival

Sin duda ha sido un auténtico placer disfrutar de su discurso musical, alejado de cadenas de oro y artificios estéticos vacuos que tanto se prodigan en el hip hop de hoy en día. ¡Grande Oddisse!

Sin apenas tregua nos dirigimos a la Sala Capitol para disfrutar del sonido de The Bug & Miss Red. Kevin Martin alias The Bug es colaborador de grupazos tan grandes como Earth, Nine Inch Nails o Grouper entre otros. En directo su monstruoso dub noise nos deja en estado de shock. Nacida en Israel de padres marroquís y polacos, Sharon Stern, alías Miss Red, se ha convertido en su acompañante en el directo.

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The Bug & Miss Red. Foto WOS Festival

Juntos, pero no revueltos, dan forma a una de las propuestas más adictivas de este momento. Sin esquivar sus raíces británicas y recogiendo la influencia de años del dub, The Bug ha fabricado una identidad perfectamente reconocible gracias a sus construcciones sofocantes y oscuras.

El concierto comienza con una sesión en solitario del propio Kevin Martin. Calentando motores con ritmos jamaicanos, poco a poco los industrializa y mezcla para imprimirles su personal sello. Envuelto entre luces llenas de misterio y cubierto por multitud de aparatos, el directo se complementa con la voz histriónica y adictiva de Miss Red. Con un estilo cercano al ragga y al rap, esta mujer pequeña y llena de sensualidad, convierte el directo en una continua invitación al baile. “Jump! Pump!” grita con énfasis entre sonidos de trap industrial y verborrea rap. Como una llamarada incendiaria su directo ha llevado al público al éxtasis. Toda una invitación a la fiesta de la mano de un dúo que ha llegado con la intención de hacernos vibrar.

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The Bug & Miss Red. Foto WOS Festival

3:00 AM de la madrugada y una propuesta más que interesante para cerrar la noche. En la Sala Malatesta tenemos la oportunidad de disfrutar de un nuevo artista sonoro. Natural de Hungría, formado académicamente en artes visuales y composición musical, Gábor Lázar empezó sus primeros trabajos sonoros allá por el año 2013.

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Gábor Lázar. Foto WOS Festival

Desde entonces se ha colado en múltiples listas, realizado instalaciones en diversos museos y festivales y sus pistas son pinchadas por genios como Aphex Twin. ¿Su música? Descrita como “gloriosa y jodidamente funky” por la crítica especializada. Con tremenda carta de presentación parece que la diversión está asegurada.

Su directo está lleno de techno y de sonido dub, con pistas vertiginosas y excitantes que son capaces de hacernos bailar hasta rompernos el coxis. Consagrado como una de las figuras protagonistas de la música electrónica de vanguardia, su sesión se construye en base a evoluciones minimalistas y secas. Progresiones que, bajo una original sintaxis rítmica y melódica, manipulan el sonido de forma matemática hasta conseguir elaborar la base de su composición. Hiperactividad electrónica, algoritmos matemáticos y muchas ganas de contagiarnos su alegría y su pasión por la música.

Domingo 16 de septiembre

Atardece en Compostela y nos acercamos al Teatro Principal. En su interior nos aguarda la matemática y también artista sonora Christina Vantzou.

El trabajo sonoro y audiovisual de esta norteamericana ha sido recientemente elogiado por la prensa musical especializada. Su nuevo proyecto Non. 4, no podía ser menos. La artista de ascendencia griega introduce elementos visuales que en ocasiones lleva al directo, acompañada esta vez por músicos de formación clásica.

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Christina Vantzou. Foto WOS Festival

Con una gran capacidad para ofrecer diferentes intensidades, sus obras aspiran en todo momento a lograr una absoluta homogeneidad. Los timbres de los diferentes instrumentos parecen que se unen en uno solo. Sonoridades tratadas digitalmente y sostenidas en el tiempo casi hasta el infinito, de una forma prácticamente imperceptible. Su directo profundiza en la experimentación de los sonidos, reduciéndolos a la mínima expresión y tratando de borrar los límites entre lo analógico y digital. Un trabajo sugerente e innovador, que ha tenido en la ciudad compostelana un marco incomparable.

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Christina Vantzou. Foto WOS Festival

Agradeciendo a la organización la calidad de las propuestas que este año nos han traído, nos despedimos con un enorme y sonoro aplauso. ¡Gracias y hasta pronto! WOS Festival si no existieras tendríamos que inventarte.

**Foto de la portada Group A durante su actuación. Foto WOS Festival.

‘El escándalo Ted Kennedy’, un thriller político que hace aguas

El escándalo Ted Kennedy, dirigida por John Curran (El viaje de tu vida, El velo pintado) pretende aclarar los acontecimientos sucedidos la noche del 18 de julio de 1969, en la que Ted Kennedy (Jason Clarke) tuvo un accidente de coche en el que murió una de sus secretarias, Mary Jo Kopechne (Kate Mara). Este acontecimiento, de sobra conocido por los estadounidenses, pero quizás no tanto a este lado del charco, se usa como inicio de partida para retratar a un Ted Kennedy sin principios y con una moral que se dobla en ambas direcciones cuando se trata de salvar su carrera política.

Desde luego, el retrato queda lejos de ser favorecedor, mostrándonos en unas ocasiones a un senador ejerciendo el papel político que le han otorgado, aprisionado por la sombra de sus hermanos y el apellido de la familia, y en otras, a una persona, la verdad, algo obtusa. Es más, las escenas que tienen la clara función de ridiculizar su proceso de toma de decisiones en los días posteriores al accidente, no solo ridiculizan al personaje, sino a los actores que intervienen en ellas y al mismo guion escrito por Taylor Allen y Andrew Logan, ambos primerizos en este cargo.

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Ed Helms interpreta a Joseph Gargan, primo de Ted Kennedy.

Jason Clarke, por su parte, defiende una interpretación bastante digna de Ted Kennedy, pero no puede evitar que Ed Helms le eclipse en su papel del primo del senador, Joseph Gargan. Quizás debido a las habilidades interpretativas de Helms o simplemente debido a que interpreta al personaje más creíble y sereno de todo el film, con Allen y Logan hablando al espectador a través de su voz.

Sin duda, más que la película en sí, que raya lo aceptable en todos los ámbitos, lo que resulte más interesante sobre El escándalo Ted Kennedy es la época en la que se ha estrenado: con el actual presidente de Estados Unidos, Donald Trump, viéndose involucrado en escándalos cada vez mayores y eludiendo las consecuencias de formas cada vez más irreverentes.

Es obvio que no es una coincidencia que se produzca un film que relata la historia de otro político poderoso eludiendo un gran escándalo gracias a la capacidad de la sociedad para mirar a otro lado. Es precisamente por el potencial que tenía este episodio de la política estadounidense para informar y hacer reaccionar a nuevas generaciones de norteamericanos, que solo nos queda lamentar que la película no se haya llevado a cabo por unas manos más capacitadas.

Estrenos en crudo: el retorno de Farhadi y el descubrimiento de Carmen Blanco

Porque hoy en día la vida está muy cara y nadie quiere desperdiciar una entrada de cine para ver un bodrio, aquí estoy yo para hacer el trabajo sucio por vosotros: leer las sinopsis de los estrenos con lupa y ver los tráilers con ojos de elfo. Aquí tenéis las cosas claras y los estrenos en crudo:

Todos lo saben

Director: Asghar Farhadi

Lo que os cuenta la sinopsis
Carolina viaja con su familia desde Buenos Aires a su pueblo natal en España para una celebración. Lo que iba a ser una breve visita familiar se verá trastocada por unos acontecimientos imprevistos que cambiarán por completo sus vidas.

Lo que os cuenta PLopezD
El director de Nader y Simin, una separación (mi preferida hasta ahora del director iraní) o El Viajante vuelve y nada más y nada menos que con un reparto de ensueño encabezado por Cruz y Bardem en lo que parece ser toda una aventura explorando los límites del ser humano ante la pérdida de lo que más se ama.

Book Club

Director: Bill Holderman

Lo que os cuenta la sinopsis
Cuatro grandes amigas han cambiado sus vidas para siempre después de leer “50 sombras de Grey” en su club de lectura mensual.

Lo que os cuenta PLopezD
Más allá de homenajear a sus protagonistas, esta cinta puede pasar sin pena ni gloria por las salas de cine y las pantallas de nuestros televisores.

Los amores cobardes

Directora: Carmen Blanco

Lo que te cuenta la sinopsis
Eva es una joven fuerte e independiente que regresa a su ciudad natal para pasar las vacaciones de verano. Allí la esperan su madre y Gema, su única e incondicional amiga. Lo que Eva no esperaba es encontrarse con Rubén, quién solía ser su mejor amigo hasta que un día el chico decidió cortar el contacto inesperadamente. Sin explicaciones. Sin despedidas.

Lo que te cuenta PLopezD
No sé vosotros, pero yo me he quedado hipnotizada con Blanca Parés. Para mí, la sorpresa de la semana. Una de estas películas puñeteras que te arrancan sonrisas melancólicas y te recuerdan la necesidad de tomar decisiones y lo que estas implican.

 

Low y el culto a lo exquisito

“Probar algo diferente y ver hasta dónde podemos llegar”

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Bajo esta premisa nació en el año 1993 el grupo de indie rock y slowcore norteamericano Low. Un grupo que lleva ya más de veinte años caminando por la música entre susurros y emociones.

Liderado por el matrimonio mormón formado por Alan Sparhawk como guitarra y voz   y Mimi Parker también como voz y además en la batería, comenzaron su recorrido musical cuando el grunge era el sonido que lo rodeaba todo. A ellos no les importó. Decididos a afrontar su propio proyecto se unieron a un viejo conocido suyo, el bajista John Nichols, recluyéndose en su casa de Duluth para grabar su primera maqueta. Así nació Low.

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Pero… ¿Qué era eso diferente y único que nos querían mostrar? Algo tan sencillo como efectivo. Reducir la estructura de la canción, extender los acordes durante minutos y cantar sus temas con tremenda elegancia y dulzura. Así crearon su personal estilo. Un estilo que se respira en cada uno de sus temas. Melodías que son pura exquisitez. Cuerdas que se rasgan, percusiones sofisticadas y una atmósfera minimalista y triste, pero dulce y sofisticada.

Su sobriedad se traduce en pulcritud. Pulcritud en la ejecución, en el sonido y en el sentir. Y ese es su mayor logro. Algo tan complejo como inmenso que es abrazar lo mínimo, para generar atmósferas llenas de belleza y emoción.

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Ahora y después de una carrera constante y sólida están de vuelta. Tres años después de su disco Ones And Sixes editado en el 2015, llega su nuevo trabajo. Será el próximo 14 de septiembre cuando podremos disfrutarlo bajo el título de Double Negative.  Este doceavo álbum ha sido producido por B.J. Burton y vuelve a contar con el trío de oro para defenderlo: Alan Sparhawk, Mimi Parker y el bajista titular desde hace años Steve Garrington.

Estamos sin duda ante uno de sus discos más descarnados. Un sonido que conserva las pautas genuinas de la banda, pero añadiendo una electrónica y una psicodelia potentes y experimentales. Un disco electrónico y lleno de noise, que nos revela una nueva e interesante faceta dentro de su poliédrico sonido.

Un proyecto que se basa en las características armonías vocales del matrimonio, la guitarra ocasionalmente volcánica de Alan, la batería golpeada por las escobillas de Mimi y los múltiples cambios de ritmo que van de lo lento a lo agitado y visceral. Un trabajo en el que se aprecia un mayor protagonismo de los teclados ambientales e industriales, confiriendo a su sonido nuevos e inesperados matices.

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Ellos mismos consideran este nuevo trabajo el más poderoso y osado de su carrera. Un trabajo que busca de manera implacable un sonido deslumbrante y que hemos tenido la oportunidad de escuchar en los tres adelantos promocionales: Quorum, Dancing and Blood y Fly.

Temas donde todo está al servicio del aspecto compositivo, donde se muestran generosos al máximo con las melodías y donde se convierten en adalides de ese indie-rock aletargado, depresivo y onírico que tanto les caracteriza.

La gira europea de Low incluye parada triple en España. Para todos los que tengáis oportunidad anotad estas fechas y por favor no os los perdáis en directo.

  • 1 de octubre en la Sala Capitol en Santiago de Compostela
  • 2 de octubre en la Sala But en Madrid
  • 3 de octubre en la Sala Fabra I Coats en Barcelona

 

Playlist de Double Negative de Low           low5

 

1.Quorum

2.Play

3.Dancing and blood

4.Play

5.Fly

6.Play

7.Tempest

8.Always up

9.Always trying to work it out

10.The son, the sun

11.Dancing and fire

12.Poor sucker

13.Rome (Always in the dark)

14.Disarray

SeñorNadye, de hombre orquesta a grupo musical bien avenido

De la creatividad de un cantautor cargado de melodías nace SeñorNadye. Y es que en 2016 este hombre orquesta llamado Daniel Díaz decide rodearse de cinco colegas amantes de la música para iniciar un nuevo camino. Así, al talento del cantante y compositor alcarreño se suma el buen hacer de Eduardo Pérez (guitarra eléctrica y segundas voces), Virginia del Moral (guitarra eléctrica), Efrén Gordillo (bajo), Pablo Igualada (teclados) y Nerea Platero (batería). El proyecto conserva el nombre de SeñorNadye, alias usado por Daniel en su anterior etapa en solitario, porque al grupo le atraía la idea de anonimato que evoca dicho nombre. Se trata de una denominación que tiene su origen en la dislexia del cantante y que surge de una combinación desordenada de las letras de su nombre.

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Estamos ante una banda que, valiéndose de una notable riqueza instrumental, ha ido conquistando los oídos del público y progresando en una andadura musical que no ha hecho nada más que empezar. En 2017 el grupo superaba con muy buena nota su primer concierto en la madrileña sala Costello. Además, poco después de este prometedor arranque, la formación se alzaba con el premio del público en el II Carrefest Music Talent. Hay que decir que su canción Hermano logró más de cinco mil votos en este concurso musical. Gracias a ello SeñorNadye tuvo la oportunidad de actuar en el Festival Internacional de Benicàssim (FIB)  y de compartir cartel con artistas de la talla de Red Hot Chili Peppers o Liam Gallagher.

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Por otra parte, el pasado 30 de julio la banda lanzaba su primer disco titulado Cuando todo explote. Un debut discográfico compuesto por diez canciones que transmiten sensaciones relacionadas con la impotencia de intentar evitar la caída al abismo mientras todo el mundo está distraído con otras cuestiones. A su vez, esta colección de melodías se presenta en un colorido envoltorio cuya portada ilustra de forma gráfica esa explosión a la que alude el título.

El día de Navidad es la composición que inaugura el disco. Una canción que, con una serie de ritmos alegres y una desenfadada puesta en escena, saca a la luz esos sentimientos contradictorios de amor-odio que giran alrededor de los festejos navideños. Asimismo, este corte vino acompañado por un videoclip en el que no faltan los regalos de Navidad. Un trabajo audiovisual dirigido por Sergio Véliz del Carpio, grabado por Víctor J. Alvarado y producido por Sara Hernando.

A continuación las estrofas de Ojitos tristes nos cuentan cómo el ser humano suele tropezar con la misma piedra y cómo ese mismo ser humano es capaz de seguir adelante a pesar de los errores. Entonces aterrizamos en los versos de Hermano. Un tema que nos embarca en una emocionante montaña rusa de sonidos. Mientras la intensidad sube y baja, las letras nos invitan a disfrutar cada momento de nuestra efímera existencia. Finalmente, la energía de la guitarra en solitario va cerrando el espectáculo. De esta manera, una potente fiesta instrumental pone el punto final a una canción redonda.

La Sombra, primer single del disco, nos ofrece una perspectiva sonora del lado oscuro que se esconde en cada uno de nosotros y que a veces hace acto de presencia  en nuestra trayectoria vital. El sencillo nos habla de esos enemigos internos que nos impiden avanzar y que hay que intentar eliminar. Poco a poco llegamos al ecuador del disco y en este lugar nos encontramos con Morfina en la boca. La canción nos da la bienvenida con los característicos sonidos de la armónica. Sonidos que sirven de introducción para un tema que, bajo un halo de tranquilidad, se transforma en una bella caricia sonora en forma de balada.

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Seguidamente la energía y el movimiento vuelven a asumir el protagonismo gracias a la divertida melodía de Jamás estuvo azul.  Pero la descarga de electricidad no acaba aquí. En la recta final de nuestro recorrido nos topamos con Del color de la luna y La gente es mierda. Dos temas provistos de unos atractivos toques rockeros que marcan el rumbo a seguir. En este punto las guitarras rugen, la batería retumba con contundencia y el aire rockero se respira en cada nota.

Crujo y Todo tiene un precio cierran definitivamente el álbum. Esta última canción es la encargada de dar título al disco. Si escuchas con atención, en sus versos aparece la frase “cuando todo explote”. Una frase que hace referencia al aspecto autodestructivo de la especie humana y al imparable camino que nos lleva hacia el desastre.

Puedes escuchar Cuando todo explote en Spotify.