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Festival Paredes de Coura 2017: comienza el espectáculo

Un año más, aquí estamos. Para aquellos que amamos la música, el festival de Paredes de Coura es una cita imprescindible. Este año celebran sus bodas de plata con un cartel de infarto, un cartel que durante cuatro días nos llevará por lo mejor de la música independiente. Resulta realmente increíble que una localidad de apenas 9.000 habitantes, organice uno de los festivales de música más grandes del momento. Con el río como arteria principal y sus maravillosas arboledas como pulmones, es difícil imaginar un escenario mejor para disfrutar de la música.

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Paredes de Coura  2017. Foto Sonia García

Miércoles 16 de agosto. Nos aproximamos al recinto principal mientras el público va rellenando en un goteo incesante cada espacio de la ladera del festival. Increíble el aforo de público y como siempre, maravilloso cruzar la puerta de entrada y ver el ambiente tan especial que se genera, un ambiente imposible de describir, un ambiente para vivir.

Para empezar, sobre el escenario una propuesta local y un grupo mítico para el público portugués. Mao Morta llevan en la música desde 1984 y lo suyo es puro espectáculo. Post punk, rock alternativo y mucha provocación. Su frontman Adolfo Lúxuria Canibal es energía al extremo y sus movimientos convulsivos provocan el griterío ensordecedor del público.

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Mao Morta. Foto Sonia García

Durante la actuación, se produce uno de esos momentos mágicos que conservaremos para siempre en la memoria. Adolfo recuerda al público los 25 años de un festival que comenzó con un carácter modesto y que paso a paso se ha convertido en uno de los más grandes. Banda y público cantan el cumpleaños feliz a Paredes de Coura. Sin palabras. Simplemente maravilloso.

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Adolfo Luxuria  Canibal. Foto Sonia García

Sobrepuestos a tanta intensidad nos dirigimos a ver a una banda que nos encanta. Y ahí está él en el escenario principal. Geoff Barrow es el hombre que mueve los hilos en la mítica banda Portishead. Como parece que este genio va sobrado de talento, a Paredes llega con su otro proyecto musical paralelo al que ha bautizado con el nombre de Beak>. Una agrupación en la que colabora con Billy Fuller, bajista de confianza del mismísimo Robert Plant y Matt William.

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Geof Barrow de Beak>. Foto Sonia García

Su sonido se sumerge en las aguas un tanto oscuras de la electrónica experimental. Un estilo personalísimo donde se fusionan sonidos hipnóticos, krautrock, electrónica, hip-hop, avant-garde, dub y música industrial. Couple in a Hole es su último trabajo, el cual han venido a presentarnos en el festival. Un directo lleno de emociones en el que se construyen temas maravillosos llenos de soul y electrónica. Riffs de una construcción pluscuamperfecta, belleza y simplicidad aparente. Temas que se van elaborando sobre una base minimalista para ir creciendo en complejidad y matices. Impresionados por la belleza del recinto y la entrega del público, en cada uno de los temas los chicos de Beak> se entregan cada vez más. Un directo de absoluta conexión, saltando el límite natural que separa escenario y público.

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Beak>. Foto Sonia García

Y de un sonido de vanguardia a otro donde la perfección inunda cada rincón del espacio del festival. Son las 12:30 horas y llegan los chicos de Future Islands. Herring, Cashion y Welmers crearon en el 2006 este proyecto musical. Rápidamente, Erick Murrillo se sumó con su batería digital y así de este modo consiguieron completar el estilo musical que llevaban tiempo deseando lograr.

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Future Islands. Foto Sonia García

Preocupados al extremo por alcanzar la perfección en su sonido, los norteamericanos deslumbraron en el 2014 con uno de sus mejores trabajos, Singles. Escucharlos ahora en directo, es comprobar que su virtuosismo es simplemente magistral. Estilísticamente synthpop, la banda desarrolla tema a tema melodías en las que las notas encajan en un engranaje perfecto. La peculiar voz de Samuel Herring no deja a nadie indiferente. Entregado por completo, no deja de moverse de extremo a extremo del escenario. Contoneos seductores, histrionismo, teatralidad y un timbre vocal que pasa del falsete al grito más gutural.

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Future Islands. Foto Sonia García

Desde el segundo cero, han salido para entregarse al público y su titánico esfuerzo se ve recompensado al final de cada tema con la ovación del auditorio. Samuel llora sobre el escenario. Emocionado y agradecido termina el espectáculo. Alejados por completo de la improvisación, estos chicos tienen muy claro el oficio de músico artesano. Ese en el que cada sonido se mima y se pule hasta conseguir la máxima belleza.

Finaliza la primera jornada con la jovencísima y brillante Kate Tempest. Esther Calvet tiene el don de ser una perfecta contadora de historias, fusionando con increíble naturalidad el rap, el techno y la literatura. En el año 2010, publicó su primer disco Broken Herd y desde entonces hasta ahora, no ha dejado de sorprendernos con cada nuevo trabajo. A Paredes ha llegado con su último proyecto Let Them Eat Chaos, el cual nos ha sorprendido por su madurez musical y por la cohesión que presentan todos los temas como un único todo.

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Kate Tempest. Foto Sonia García

Arropada por una magnifica banda, su directo es electrizante. Kate es una trovadora contemporánea que ha venido a denunciar todo y más. Una contadora de historias que te va atrapando lentamente y que ha encontrado en el rap el medio natural para expresar sus pensamientos. Hip-hop, techno, literatura y el sabor de la voz de Kate aleteando en nuestros sentidos. Nos recogemos dando por finalizado un primer día de festival repleto de emociones.

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Kate Tempest. Foto Sonia García

Portadas de discos: 7 diseños repletos de originalidad

En la época en la que no existía el CD, el MP3, el streaming ni las descargas digitales, la música se editaba principalmente en formato vinilo. De tal manera que el envoltorio de los discos jugaba un papel fundamental. Mensajes escondidos, curiosas bromas, fotos sorprendentes, imágenes estereográficas, son algunos de los elementos que añadían valor al producto y que mostraban la ilimitada creatividad del universo musical. En la actualidad la creatividad sigue presente y a pesar del auge de las nuevas tecnologías, algunos y algunas artistas continúan apostando por la originalidad a la hora de presentar sus trabajos discográficos.

Hoy en No Submarines nos adentramos en el artístico mundo de las portadas de discos, recopilamos unos cuantos diseños y os desvelamos un buen puñado de secretos escondidos.

Revolver (1966) – The Beatles

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The Beatles no sólo componían canciones, también cuidaban muy bien el diseño de las portadas de sus discos. De hecho, desde su primer álbum las portadas de todos sus trabajos fueron tratadas con mimo. Así que Revolver no podía ser una excepción.

La portada de este disco es obra del artista y músico alemán Klaus Voormann, amigo de la banda. En esa época Voormann se dedicaba a realizar collages artísticos utilizando dibujos y fotos. A George Harrison le gustó la idea y le pidió a Klaus que elaborará la portada del nuevo disco de The Beatles.

Para realizar la ilustración del vinilo, el alemán utilizó imágenes de los miembros del grupo tomadas entre 1964 y 1966 con la intención de mostrar su lado más íntimo. Pero si observamos la portada más de cerca, podemos ver como el ilustrador también aparece dentro del collage. Y es que, camuflada entre el pelo de Harrison, Voormann colocó una foto suya. Además, si agudizamos aún más la vista podemos distinguir su nombre ahí escrito. Hay que decir que el original diseño ganó un Grammy a la mejor portada.

Their Satanic Majesties Request (1967) – The Rolling Stones

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En mayo de 1967 veía la luz Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, octavo álbum de The Beatles. Pero, ¿qué tiene que ver esto con The Rolling Stones? La conexión viene dada por la aparición de una muñeca luciendo un jersey de rayas con la frase Welcome The Rolling Stones en la portada de ese disco. Pues bien, en diciembre The Rolling Stones publicaban Their Satanic Majesties Request. Un trabajo considerado como una respuesta a Sgt. Pepper´s que incluía una extravagante y colorida portada.

En ella los miembros del grupo aparecen retratados por el fotógrafo Michael Cooper como personajes de fantasía. Las versiones iniciales presentaban una imagen tridimensional de la banda en la que los músicos, a excepción de Jagger, parecían moverse. Sin embargo, lo más curioso de esta carátula se encuentra escondido. Si analizamos la portada con minuciosidad, entre las flores decorativas que acompañan a los músicos podemos distinguir las caras de los cuatro Beatles. Así, los Stones entraban en el juego y devolvían de esta forma el guiño a los de Liverpool.

White light/ White heat (1967) – The Velvet Underground

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La banda estadounidense The Velvet Underground fue una de las primeras bandas en mostrar un modo diferente de hacer rock utilizando la experimentación y los sonidos ruidosos de las guitarras.

Tras la publicación de su primer disco, con el famoso plátano creado por Andy Warhol, el grupo de Lou Reed y John Cale recrudeció su estilo. Así, con un aura de oscuridad y distorsión, los músicos grababan su segundo álbum White Light/White Heat. Siguiendo esa línea sórdida y vanguardista, la portada parecía una simple imagen en negro con el título y el nombre del grupo impreso en letras blancas. Sin embargo, si te acercas y miras esa portada negra bajo la luz, descubrirás la imagen de una calavera. De hecho, la idea era usar una imagen en negro sobre fondo negro. La fotografía elegida para tal efecto fue un tatuaje de calavera situado en el brazo de Joe Spencer, protagonista de la película de Warhol titulada Bike Boy. Después de que Reed escogiera esa figura de los negativos de la cinta, el fotógrafo Billy Name se encargó de modificarla para que formara parte de la portada.

Santana (1969) – Santana

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Formada en San Francisco por el guitarrista Carlos Santana, la banda Santana publicaba su primer disco en 1969. Fusionando el rock y la música latina, el álbum se presentaba acompañado de una portada diseñada por el artista estadounidense Lee Conklin. El arte del vinilo se basa en un sencillo dibujo de un León en el que Conklin quiso plasmar sus experiencias psicodélicas. Así, detrás del sugerente rugido felino que preside la carátula de este disco debut podemos encontrar multitud de detalles. De tal manera que si observamos detenidamente el dibujo, iremos descubriendo la presencia de un conjunto de elementos en segundo plano.

Explorando atentamente la portada, veremos que la figura del León, incluidos los ojos, está compuesta por pequeñas caras. Si seguimos fijándonos, también podremos vislumbrar la silueta completa de lo que parece una bruja. Entre los ojos del felino localizamos una especie de sombrero o gorro, a la altura de los bigotes situamos la cara de color negro de la mujer, los relucientes dientes conforman un collar blanco, la barbilla muestra una falda y debajo aparecen con mayor claridad las piernas y los pies.

Dangerous (1991) – Michael Jackson

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El dibujante Mark Ryden tardó seis meses en terminar la portada de Dangerous. En ella aparece reflejada gran parte de la vida de Michael Jackson. Michael contó con Ryden por su afición a los posters de circo y porque consideraba que tenía la capacidad necesaria para representar en imágenes todas sus peticiones. La infinidad de símbolos, analogías, mensajes ocultos y figuras relacionadas con la numerología que se muestran dan para un extenso análisis.

Entre las representaciones más destacadas nos encontramos con los ojos de Michael dominando la portada. Sobre ellos y a punto de ser coronado vemos al chimpancé de Jackson, Bubbles. Animales, payasos, ángeles, la estrella de la buena suerte, el ojo illuminati, escenas de la pintura clásica, el creador de los circos más importantes y la mano del propio cantante sosteniendo a un niño con el cráneo del hombre elefante se entremezclan en la ilustración. Asimismo, en los laterales vemos la entrada y la salida de un tren circense con su amigo Macauly Culkin y un Michael de niño subidos en los vagones. La lista es larga y cada elemento tiene un significado.

200 Million Thousand (2009) – Black Lips

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Ya en los años 2000,  el incendiario grupo Black Lips volvía a ofrecer una buena dosis del garage más punk. Y es que en el año 2009 la banda publicaba 200 Million Thousand. Un álbum rodeado por un aire sesentero que se presentaba con un mareante envoltorio. A simple vista la imagen de la portada no parece muy ingeniosa: unas líneas verticales blancas y negras, el nombre del grupo con letras decoradas también a base de líneas, esta vez rojas y negras, y el título del disco con una tipografía de color blanco.

Sin embargo, el diseño esconde más de lo que parece. Si observas fijamente la imagen y mueves el disco hasta conseguir adentrarte en ella, podrás ver la cara de un hombre con la boca entreabierta. Fijándote más aún, y si has logrado no marearte durante el proceso, al mismo tiempo podrás ver la dentadura de este personaje y observar como uno de sus dientes parece adornado con una pieza de oro. Por otro lado, en la contraportada del disco encontrarás la misma silueta, pero en esta ocasión sin nada en los dientes.

Blackstar (2016) – David Bowie

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Terminamos esta selección con la portada de un disco publicado en 2016. Se trata del último disco del legendario David Bowie. Bowie siempre cuidó mucho el aspecto visual de sus trabajos. Así que, cuando la portada de Blackstar (realizada por Jonathan Barnbrook) vio la luz mucha gente se echó las manos a la cabeza ante su sencillez. De hecho, si exceptuamos la banda sonora The Buddha of Suburbia y la primera edición americana de The Man Who Sold the World, el artista nunca había dejado de aparecer en las portadas de sus álbumes.

Tanto la edición en CD como la edición en vinilo utilizan las estrellas como figuras centrales. Sin embargo, mientras que la portada del CD juega con el blanco y el negro, en el vinilo nos encontramos con un diseño completamente negro. Es en este último formato en el que podemos encontrar un detalle muy brillante. Si abrimos el álbum, sacamos el vinilo y enfocamos una luz por detrás de la portada, veremos cómo el interior de la estrella negra se ilumina con un cúmulo de pequeños astros. Además, las estrellas recortadas de la parte inferior de la carátula parecen deletrear la palabra Bowie.

7 canciones versionadas en clave de serie

Toda gran serie va acompañada de una buena banda sonora, capaz de mecer cada uno de los sentimientos que esta quiere transmitir. Pero, ¿qué pasa cuando dentro del propio contexto se versionan canciones famosas? Desde aquí damos nuestro más fuerte beneplácito a este tipo de iniciativas y, para ello, dejamos algunas de las covers que más nos han enganchado.

1. Unbreakable Kimmy Schmidt

¿Existe alguien más diva y ‘drama queen’ que Titus Andromedon? Con su gran especialidad para convertir cualquier situación diaria en una tragicomedia, no podía ser ningún otro el que hiciera una versión mix de los temas de Beyoncé (Sorry, Hold Up All Night), como la mejor forma de arreglar su relación en la última temporada de la serie. Nadie va a discutir que, además de marcarse un temazo, todos hemos deseado un “Lemonading” en toda regla.

2. Trasparent

Si no teníamos razones suficientes para adorar Transparent de por sí, el final de su tercera temporada nos dio las papeletas necesarias. Cantando la canción original de Alanis Morissette, Judith Light se desmarca bajo uno de los cierres más especiales y mágicos en terreno seriéfilo. Una versión que, bajo la tristeza de un alma perdida, busca volver a conectar con el mundo y, especialmente, con sus seres queridos. También, consigue ser uno de los mejores momentos de su personaje en la serie.

3. Anatomía de Grey

Drama is coming. Shonda Rhimes nos tiene acostumbradas a mantener los pañuelos cerca con cualquiera de sus capítulos. Sin embargo, la séptima temporada nos regala un “especial” para relatarnos el accidente de uno de sus protagonistas: Callie Torres. El capítulo se llama “Song beneath the song” y está narrado en clave de musical, por lo que nos deja momentos tan especiales como la cover de Chasing Cars, de Snow Patrol (canción icónica en la serie).

4. Big Little Lies

La miniserie de moda que ha robado el corazón a toda la población, Big Little Lies, cuenta con muchos momentos únicos. Hablando en contexto musical, no hay que olvidarnos de la versión de The Wonder of You  (Elvis Presley) que aparece en el séptimo y último capitulo. Aunque no esté interpretada originalmente por Adam Scott (te seguimos queriendo, Adam), la escena en su conjunto es tan sincera y delicada que es inevitable que no te toque un poquito el corazón.

5. Girls

Estamos acostumbrados a que Girls nos regale, escena tras escena, un abanico de momentos mágicos y, sin duda, este es uno de ellos. Dos amigas desnudas, en la bañera, tanto física como emocionalmente, que lo único que se necesitan es la una a la otra. Sin grandes palabras, solo el silencio y su presencia. Y, como no, un poco de Wonderwall, que amenice todo el contexto.

6. American Horror Story

La que puede ser considerada como la cuarta temporada de American Horror Story, Freak Show, se centra en las situaciones “sobrenaturales” que rodean a un circo de los horrores en los años 50. En ella podemos encontrar diversas actuaciones musicales de las actrices Jessica Lange Sarah Paulson; sin embargo, uno de los momentos clave, y que ayudan a cambiar la narrativa de la serie, viene dada de la mano del adorado Evan Peters con uno de los temazos de Nirvana.

7. Como conocí a vuestra madre

¿Qué pasa si juntamos la delicadeza de La vie en rose con la adorabilidad de Cristin Milioti? Que te sale una versión tan adorable como la que interpreta ella, ukelele en mano, en al última temporada de la serie. De esas que hay que escuchar solo con los ojos cerrados.

Estrenos en crudo: suerte que tenemos a Guy Ritchie

Porque hoy en día la vida está muy cara y nadie quiere desperdiciar una entrada de cine para ver un bodrio, aquí estoy yo para hacer el trabajo sucio por vosotros: leer las sinopsis de los estrenos con lupa y ver los tráilers con ojos de elfo. Aquí tenéis las cosas claras y los estrenos en crudo:

La hora del cambio

Directores: Salvatore Ficarra y Valentino Picone

Lo que os cuenta la sinopsis
Los vecinos del pequeño pueblo siciliano de Pietrammare viven acostumbrados al caos que conlleva “saltarse la ley”, pero están hartos. Las carreteras tienen socavones, el tráfico es insufrible, la basura se acumula en las aceras y no hay día que un vecino no pise un excremento de perro. Tampoco les falta un gran puerto… sin barcos, y una fábrica altamente contaminante. Pero parece que ha llegado la hora del cambio: en las elecciones, un nuevo alcalde ha salido victorioso y viene con la firme intención de cumplir todo su programa electoral

Lo que os cuenta PLopezD
Comedia con buenas intenciones que se ríe de la situación política y social de su país (aplicable a unos cuantos) pero que sin embargo a mi juicio no pasa de ahí; buenas intenciones y ya; el cinéfilo de pro no vive de buenas intenciones. Se acerca la cuesta de septiembre y hay que ahorrar, así que esta, os la ahorráis.

Rey Arturo: La leyenda de Excalibur

Director: Guy Ritchie

Lo que os cuenta la sinopsis
Inspirada en la obra de Thomas Mallory titulada ‘Le Morte d’Arthur’, esta nueva historia nos presenta a un Arturo joven y callejero que recorre los callejones de Londinium con su banda, desconocedor de la vida para la que nació hasta que encuentra la espada Excálibur y, con ella, su futuro. Puesto a prueba de inmediato por el poder de Excálibur, Arturo se ve obligado a enfrentarse a difíciles decisiones. Uniéndose a la Resistencia y a una misteriosa joven llamada Guinevere, deberá aprender a dominar la espada, enfrentarse a sus demonios y unir al pueblo para derrotar al tirano Vortigern, que le robó su corona y mató a sus padres, y convertirse en el Rey.

Lo que os cuenta PLopezD
Guy Ritchie, ese hombre para el que algunos es un director mediocre y para otros (entre las que me cuento) es un cineasta que dentro lleva una estrella del rock y con sus películas siempre quiere dar el mejor show. No sé si este Arturo estará a la altura de Lock and Stock, Snatch o lo último que nos dio y, que me se de unas que se ven en bucle cierta escena de The Man from U.N.C.L.E; sea como fuere a mí a Ritchie me gusta verle en pantalla grande y disfrutar como una enana del espectáculo visual que nos ofrece. Para mí, sin dudar, este es el estreno destacado de esta semana.

Emoji: La Película

Director: Anthony Leondis

Lo que os cuenta la sinopsis
La película mostrará ese mundo oculto nunca antes visto dentro de los smartphones. Escondidos en una app llamada Textopolis, la historia muestra una ciudad dinámica donde todos nuestros emojis favoritos permanecen con la esperanza de ser elegidos por los usuarios de los teléfonos.

Lo que os cuenta PLopezD
En fin… creo que el emoji que más me representa cada vez que veo o leo algo sobre esta cinta es el verde de vómito.

Descontroladas

Director: Jonathan Levine

Lo que os cuenta la sinopsis
Incitada por su novio, Emily convence a su madre para ir a un viaje juntas a Ecuador. Pero una vez allí ambas mujeres son secuestradas, comenzando una aventura salvaje en el que su vínculo como madre e hija se fortalecerá mientras intentan escapar.

Lo que os cuenta PLopezD
Este tráiler me pone realmente de mal humor. Me gustaría preguntarles tanto a su director como a sus guionistas y, eso que una de las guionistas es la propia Schumer, qué andaban pensando para hacer una ficción en la que se desaproveche de esa manera el talento de sus protagonistas. ¡Qué horror!

 

7 películas de animación japonesa que te robarán el corazón

Sabemos que la animación es uno de los formatos preferidos de gran parte del público, tanto para los jóvenes como para los que no lo son tanto. Y de un tiempo a esta parte, Japón ha ido posicionándose como referente. Todos hemos crecido con las historias de Hayao Miyazaki y sus irreverentes personajes. Sin embargo… ¿existe mundo más allá del Studio Ghibli? La respuesta es más que positiva y, si no te lo crees, aquí tienes unas cuantas recomendaciones que te removerán lo más profundo.

1. El himno del corazón (2015)

Jun siente la imperiosa necesidad de hablar por los codos, hasta que llega un momento en su vida que, de pronto, enmudece. ¿Qué será aquello que le provocará el volverse muda para el resto del mundo? De esta forma, El himno del corazón nos introduce en el pequeño mundo de su protagonista y a los nuevos amigos que la obligarán a florecer de nuevo. Sencilla, discreta y, al mismo tiempo, un cántico a las primeras veces de todo adolescente.

2. La chica que saltaba a través del tiempo (2006)

La adolescencia es, sin duda, una de las etapas donde el único problema es no divertirte lo suficiente con tus amigos. O al menos, eso es lo que piensa nuestra destartalada protagonista Makoto. Sin embargo, un día descubre un don que cambiará su vida: la capacidad de viajar atrás en el tiempo a través de “saltos”. Con cierto toque de humor, la película nos vislumbra la importancia de tomar decisiones y cómo estas repercuten en el resto del mundo. Un pequeño ‘efecto mariposa’ inevitable, bajo la mirada de una adolescente cuyo mundo no termina de comprender.

3. Your name (2017)

Se convirtió en la película de la que todo el mundo hablaba este último año y de forma merecida. Makoto Shinkai nos devuelve a otra de sus fantasías, esta vez con el relato de dos jóvenes que se encuentran sin quererlo. Sin más ataduras que la distancia, se enfrentarán a un destino que… ¿estaba escrito o es más bien buscado? Una de las películas más enternecedoras, profundas y personales de su director, con una animación que lo convierte en una joya audiovisual sin precedentes.

4. En este rincón del mundo (2017)

La historia se desarrolla en el contexto de la II Guerra Mundial en una pequeña localidad de Hiroshima. Suzu, una joven recién casada, debe enfrentarse a esta nueva vida junto a su marido, un oficial de la marina. Como un cuadro costumbrista, el filme busca hacer un retrato fiel de la situación social de aquel momento, sin buscar la recaída fácil en el drama bélico. Y es que, a pesar de su calidez a la hora de narrar los acontecimientos, el puente fuerte reside en la fuerza con la que es capaz de transmitir uno de los episodios más oscuros de la historia japonesa.

5. Los niños lobo (2012)

Chica conoce a chico y se enamoran. ¿Qué ocurrirá cuando descubra que él es un hombre lobo? Aunque suene a sinopsis de película adolescente, Los niños lobo se aleja totalmente de esta idea. Con toques de ciencia ficción, la película nos introduce en la lucha de una madre por sacar adelante a sus dos hijos; la constante importancia de la familia y el amor (de todo tipo) que nunca se marchita. Una película que también enseña a saber decir adiós y soltar esa mano a la que uno se aferra cuando es necesario. Eso sí, aviso a navegantes: es posible que necesiten uno o dos pañuelos a mano.

6. Paprika, detective de los sueños (2006)

Nos encontramos ante uno de los títulos posiblemente más conocido por los cinéfilos de manual. Paprika nos presenta la idea original en la que Nolan se basó para crear Origen; la mímesis entre la realidad y los sueños, así como la posibilidad de navegar en estos segundos, con desconocidas consecuencias. ¿Necesitáis alguna otra premisa para correr a verla?

7. Colorful (2010)

Colorful se presenta como una de las películas de animación más adultas de toda la lista. Basada en una novela del escritor Mori Eto, la historia se centra en el purgatorio. Allí, un alma deberá limpiar sus pecados volviendo a la tierra en el cuerpo de un adolescente que ha muerto. ¿Su cometido? Descubrir las razones que le impulsaron al suicidio. De forma más dura y realista, el filme nos presenta una dura realidad, así como las distintas cuestiones sobre la propia moralidad, la ética y aquellas raíces más oscuros que todo corazón esconde.

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7 películas que ver al acabar ‘Glow’ de Netflix

Glow ha sido una de las grandes sorpresas de Netflix en lo que llevamos de 2017. Con la lucha libre femenina como temática central, esta hilarante comedia es también un retrato de diversidad, un altavoz para la lucha de unas mujeres que quieren derribar estereotipos de la forma más inteligente: llevándolos al extremo.

El poderío femenino se entrevé delante y detrás de las cámaras. Creada por Liz Flahive y Carly Mensch, ​Glow cuenta con Jenji Kohan, creadora de Orange is the new black como productora. El reparto está encabezado por Alison Brie (Mad Men), Betty Gilpin (Nurse Jackie) y la cantante Kate Nash, entre otras. En definitiva, todo un vaivén de mujeres que homenajean la dorada década de los 80 y dan una lección de sororidad.

Ya sea por su argumento, por su estética o por otros detalles más sutiles, hay algunas películas que recuerdan a Glow (o más bien al revés). Estas son algunas de ellas:

1. Gorgeous Ladies of Wrestling (1986)

Aunque técnicamente no es una película, sino una serie documental, Gorgeous Ladies of Wrestling es de visionado obligado para todo fan de Glow. Y es que la serie de Netflix está basada precisamente en esta producción de los 80, cuyas batallas de lucha libre ocuparon cuatro temporadas.

2. Rock of Ages (2012)

Ya hablé de esta película en nuestro artículo sobre películas para rockeros, pero es que no lo puedo evitar. Para empezar, en Rock of Ages también escuchamos auténticas joyas musicales de los 80, míticas canciones de bandas como The Journey, Foreigner, Twisted Sister o Bon Jovi. Y, por otra parte, su premisa es muy similar a la de Glow. La protagonista de la película, Sherrie (Julianne Hough) sueña con ser cantante, pero para ganarse la vida empieza a trabajar como camarera en el Bourbon Room. De la misma forma, Ruth (Alison Brie) de Glow quiere triunfar en el cine y utiliza la lucha libre para pagar las facturas y como catapulta hacia su sueño.

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3. Pro Wrestlers vs Zombies (2014)

Unos luchadores profesionales que iban a ofrecer un show privado en una prisión abandonada se encuentran con unos zombies. Por desgracia para los zombies, no son solo luchadores profesionales, sino auténticas leyendas del wrestling. Sí, no tiene sentido, pero Glow a veces tampoco lo tiene y eso es lo que nos gusta.

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4. Death Proof (2007)

Si tuviera que describir esta joya de Tarantino en solo una frase, diría que es la película más sangrienta y feminista que he visto nunca. Death Proof es una historia de mujeres fuertes que se unen para derrotar a un villano que bien puede representar el patriarcado. Es, al igual que Glow, un relato de sororidad, de libertad y de empoderamiento femenino.

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5. Todo sobre mi madre (1999)

Continuando con el cine de autor, esta vez apostamos por un título patrio. Sam (Marc Maron), el director del show Glow, me recuerda tanto a Quentin Tarantino como a Pedro Almódovar. Todos ellos son excéntricos, a veces incomprendidos y han marcado su cine con una estética pop orgásmica y con una clara apuesta por los personajes femeninos. Lo que más me gusta de Todo sobre mi madre y Glow es la diversidad de sus personajes, la convivencia de mujeres muy distintas entre sí –góticas, madres, prostitutas, afroamericanas y transexuales, entre otras- con una lucha común: ser libres.

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6. Flashdance (1983)

Cualquier ocasión es buena para revisionar Flashdance, una de las obras de referencia del cine de los 80. Con Glow tiene en común los bodys, los cardados y la batalla diaria de la protagonista, Alex (Jennifer Beals), que sueña con ser bailarina pero se gana la vida en una fábrica de acero y en la barra de un bar de cabaret. Os reto a no bailar en toda la película. Estoy segura de que no podréis.

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7. Regreso al futuro (1985)

Cuando en una película unes dos décadas tan maravillosas como los 50 y los 80, nada puede salir mal. ¿Que qué tiene en común con Glow la mítica película de Robert Zemeckis? Si habéis visto la serie, lo sabréis y estaréis sonriendo.

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SonRías Baixas 2017, el festival de la juventud

Para los que conocen las Rías Baixas decir Bueu es hablar de playas paradisíacas, exquisita gastronomía y durante el mes de agosto también de música, mucha música. Rock, punk y ska a solamente unos minutos de la arena y el mar. Energía y pasión a partes iguales, para un proyecto que ha ido madurando durante las pasadas ediciones, gracias al entusiasmo de la organización y a los muchos festivaleros que año tras año han mantenido este evento.

Durante los días 3, 4 y 5 de agosto se ha celebrado ya como quien no quiere la cosa la XV edición. Este año el festival trae un aire renovado y es que han decidido ser más aperturistas en su propuesta musical, incluyendo agrupaciones de estilos variados y ampliando de este modo su abanico sonoro.

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Playa Banda do Río en Bueu. Foto Sonia García

Da gusto ver tanta gente joven en un festival y es que la media de edad del SonRías Baixas es notoriamente muy inferior a la mayoría de los eventos que pueblan el verano. La organización no limita la edad de acceso al Festival, recordando que la responsabilidad de los menores dentro del recinto es de sus progenitores. Un festival divertido, cercano y lleno de frescura del que os dejamos una reseña de algunas de sus principales actuaciones.

Viernes 4 de agosto, con un día lluvioso y gris se abren las puertas del festival. Este año la pulsera de acceso ofrece un nuevo sistema que permite la carga como monedero para bebida y comida. Nos dirigimos al recinto para ver la primera de las actuaciones. Es femenina, local y llena de una personalidad tan arrolladora que nos ha enamorado desde el primer instante.

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SES. Foto Sonia García

María Xosé Silvar es más conocida en el panorama musical como SES. Una joven que nunca pensó vivir profesionalmente de la música, no porque no le apasionara, sino porque según sus palabras “lo veía muy difícil”. Ahora es una de las grandes promesas de la música en gallego, con una propuesta clara, honesta y tremendamente inteligente.

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SES. Foto Sonia García

Ritmos americanos con sabor a panderetas, letras llenas de ironía y verdad y una actitud enérgica, libre e independiente. Una cantautora que afirma que “escribe porque lo necesita”. Durante el directo nos regala su potente voz y su estilo inconfundible con el que conquista a todos sus seguidores que convierten en himnos sus canciones. Luchadora con la palabra y los sonidos como instrumento de combate, SES reivindica un sitio real para las mujeres en el mundo de la música. Dosis extras de honestidad, fuerza y belleza para una artista ante la que nos rendimos a sus pies.

Pasadas las diez de la noche, aparece sobre el escenario una mujer de armas tomar que lleva ya veinte años en esto de la música. Amparo Sánchez más conocida como Amparanoia viene a provocar ganas de cantar y bailar. Una de las pioneras de la música de fusión pone a Bueu en pie con canciones fronterizas y coloridas. Temas de sus primeros tiempos como Que te den o La fiesta, que el público corea y canta sin tregua. Canciones llenas de ritmos latinos, mexicanos, árabes, flamencos o rumberos con las que hacer la vida un poco más alegre.

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Amparanoia. Foto Sonia García

Amparanoia también presenta canciones de su nuevo trabajo El coro de mi gente, donde una vez más viaja musicalmente a través de los diferentes ritmos del mundo con la madurez y el sosiego que da el paso del tiempo. Después del susto que Amparo y su banda vivieron con el incendio que la semana pasada asoló la provincia de Ourense, llegan a Bueu para recordarnos lo maravilloso que es vivir y ponerle colorido y sonrisas a la noche.

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Amparanoia. Foto Sonia García

La otra propuesta de la que nos hemos enamorado el pasado viernes fue la de la archiconocida banda de punk-reggae argentino Todos Tus Muertos. Estos chicos llevan dando guerra desde 1985 y son todo un referente musical en Latinoamérica.

Desde sus inicios los ritmos africanos y reggae han sido una constante en sus temas a los que en su natural evolución musical han ido añadiendo sonoridades del punk, el rap, el hip hop, el hardcore o el ragamufin. Después de varios años separados vuelven ahora para regalarnos un directo donde se recorren los grandes temas de su trayectoria.  El tiempo ha pasado, pero ellos siguen en pie más vigentes que nunca y manteniendo su mensaje de justicia paz e igualdad como antaño. La veteranía es un grado y ellos lo saben. Muchas horas sobre las tablas de los escenarios de medio mundo para llegar a la madurez de su carrera y ofrecer un directo sólido, firme y lleno de coherencia.

El sábado 5 de agosto amanece por suerte soleado. El viento del norte se ha llevado la lluvia y nos deja un cielo azul con el que disfrutar de playa y música. A las 16.30 horas llega el momento de una banda que nos encanta. Guerrera es el proyecto de Alex Canoura como guitarra y voz, Hugo Santeiro a la guitarra, Álvaro Gallego al bajo y Luis Casanova a la batería. Sobre un escenario improvisado sobre la arena el público disfruta de los rayos de sol y de la potencia de su sonido.

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Guerrera. Foto Sonia García

Han creado su personal estilo al que han bautizado como “psicodelia gypsy blues”, rock y blues profundo y enérgico, que harán que te olvides de todo y bailes en trance. Donde más cómodos se sienten es encima de un escenario y haciendo que el respetable mueva sus cuerpos en hipnosis permanente. Su último trabajo, el homónimo Guerrera, es un doble LP con el que reinventan su estilo, añadiendo nuevas sonoridades aderezadas con letras en castellano y en gallego y con el que han puesto ritmo, guitarreo incandescente y potencia sonora a la sobremesa del sábado.

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Guerrera durante su actuación. Foto Sonia García

El festival SonRías Baixas ofrece también una propuesta cinematográfica para la tarde del sábado. Gracias a la colaboración con el FICBUEU hemos tenido la oportunidad de visionar seis cortometrajes de temática musical elegidos para el festival. Freddie de Andy Bausch, Cigarbox blues de Christopher Kaufmann, Estribillo de César Tormo, Superpunky de Pablo Cacheda, Jarama de Alberto Pla y Zarpazo de Nerea Castro, conforman la selección realizada para esta ocasión.

Llega la noche y con ello la expectación se hace máxima para disfrutar de la rumba festiva del cabeza de cartel. Estopa o los hermanos Muñoz dejaron la SEAT para coger las guitarras y divertirse a ritmo de pop, rock, salsa, rumba o con lo que se les ponga por delante. David y Jose crecieron escuchando a los Chichos, los Chunguitos, Peret o Los Calis y ahora empapados de estas influencias componen sus temas que gustan por igual a adolescentes que a maduritos.

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Estopa. Foto Sonia García

Comienza el directo y el público ya les pertenece. Miles de fans de todas las edades proyectan una cola interminable a la entrada del recinto. Interpretan sus hits más conocidos mientras sus seguidores cantan y bailan sin descanso. Pasiones exaltadas propias más de adolescentes que de un público maduro se viven en la primera fila. Mientras ellos incluyen en el repertorio del concierto temas de su último trabajo Rumbo a lo desconocido. Siempre cercanos y humildes a pesar del éxito que han conseguido, son ovacionados merecidamente después de dejarse la piel sobre el escenario.

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Estopa. Foto Sonia García

Llega a continuación el turno de una banda que ha venido desde Bosnia Herzegovina. En los Balcanes también se hace música de mestizaje y para dejar constancia de ello llegan hasta el SonRías Baixas Dubioza Kolectiv. Desde el 2003 giran por medio mundo mostrando su compleja fusión de ritmos entre el ska, el punk y el folclore bosnio. Uniformados como un equipo de fútbol suben al escenario para comenzar a saltar y contagiar energía positiva, energía de esa que hace que los festivales de música sean una fiesta colectiva.

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Dubioza Kolectiv. Foto Sonia García

Con un mucho de carga social en sus letras, su directo es de esos difíciles de olvidar. Pura energía, potencia extrema y mucha adrenalina descargada en dosis salvajes. Su último trabajo Happy Machine, editado el pasado año es una buena muestra de todo ello y en su directo han demostrado que son un fenómeno musical más allá de su país de origen.

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Dubioza Kolectiv. Foto Sonia García

Para los que amamos la música y Galicia el festival SonRías Baixas es una ocasión única para disfrutar de ambas cosas. Mestizaje, fusión y el mar de fondo son parte del espíritu de este festival que año tras año crece consolidando su propuesta.