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‘Halt and Catch Fire’: la búsqueda de conexión humana en la era informática

Parece ser que ni Christopher Cantwell, ni Christopher C. Rogers tenían claro qué era lo que querían contarnos con Halt and Catch Fire cuando AMC dio luz verde a la serie. Ahora, tras cuatro temporadas y habiendo visto el desenlace nos alegramos de haberlos acompaño durante su proceso de descubrimiento.

Ambientada en los inicios de la era informática y sus incipientes avances en el mundo de los ordenadores personales de los años 80 en el Silicon Prairie de Texas hasta la eclosión de Internet de los 90 ya en California, hemos sido testigos de las luchas laborales y personales de este grupo de ingenieros y programadores informáticos; la historia de éxitos y fracasos de un grupo de soñadores-revolucionarios que hemos acabado por hacer nuestra. Porque, más allá de chips y códigos BIOS, no es necesario ser un experto del campo informático para conectar con la historia humana de su relato.

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Tras la emisión del final de la serie en Estados Unidos el pasado 14 de octubre, el New York Times publicaba este estupendo artículo de James Ponikwozik sobre Halt and Catch Fire y cómo la serie había logrado hacer del fracaso (el de sus protagonistas) su éxito (el de la serie). Porque, qué es la vida sino eso: unas veces se gana y otras se pierde. Y de esto nuestros protagonistas entienden. Más aún teniendo en cuenta el sector tan competitivo en el que trabajan y sus continuos avances: desde la creación del prototipo Giant a la eclosión de Mutiny y su abrupto final son una muestra de ello en la tres primeras temporadas.

Pero más allá de éxitos y fracasos, en No Submarines hemos querido ahondar en la idea de cómo la serie ha conseguido que lleguemos a conectar con esta historia a través del anhelo y búsqueda conexión de sus protagonistas principales: Cameron Howe (Mackenzie Davis), Donna Clark (Kerry Bishé), Joe MacMillan (Lee Pace) y Gordon Clark (Scoot McNair). En las anteriores temporadas esta idea quizá se presentara de forma implícita en su narrativa, pero en esta última y final ha sido la central y protagonista, y ha acabado por resignificarlo todo (además del gran guiño que proporciona la conexión a Internet y el sector en el que están todos inmersos en lo laboral en la temporada).

La cosa que llevó a la cosa

Si habéis llegado hasta aquí es porque imaginamos que lleváis la serie al día como nosotras. Pero no está de más avisar que a partir de aquí se revelarán algunos detalles de la cuarta temporada y final de la serie.

Halt and Catch Fire siempre ha sido una serie coral pero no fue hasta que sus creadores viraron el punto de interés hacia sus personajes femeninos y su proyecto común con Mutiny (en la segunda temporada) que las dinámicas de todos ellos empezó a funcionar, haciendo de Cameron y Donna el anclaje emocional de la serie. El personaje de Joe fue uno de los principales damnificados (¡otro antihéroe más no, por favor!), pero alejarlo de la trama principal en su segunda temporada para, con el tiempo, volver a tener su lugar en el juego ya a lo largo de la tercera temporada ha hecho que la coralidad buscada acabara funcionando. Una en la que todos tienen la misma importancia y protagonismo.

Esta última temporada presenta un nuevo paradigma entre la dinámicas de todos ellos. Es 1993 y Donna, que sigue siendo asociada en AGGE junto a Diane (Annabeth Gish), rivaliza ahora con la empresa de su exmarido Gordon y su amigo y socio Joe en la creación del buscador de Internet definitivo. Mientras, a Cameron la tenemos de regreso a California (tras su estancia en Tokio y ruptura con Tom) con la intención que su último videojuego llegue a distribuirse.

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Lejos de repetir errores del pasado, vemos como la nueva relación de Joe y Gordon funciona. Forjada en una amistad que han ido labrando durante estos años, su proyecto común con Comet va mucho más allá de una relación laboral. Haley, la hija (menor) adolescente de Gordon y Donna entra a formar parte de la misma compañía a pedido mismo de Joe, tras ver su potencial (Comet se basa en el “Haley’s Comet” que ella misma creó para indexar páginas). También vimos a Gordon preocupado por su amigo cuando Cameron y Joe vuelven a reconectar e inician de nuevo su relación. Gordon es amigo de ambos y todos sabemos como había resultado en su pasado. Pero ni Joe, ni Cameron son los mismos, como tampoco la situación en la que se encuentran.

Pero será a partir del octavo capítulo, tras la muerte de Gordon, uno de los detonantes para algunas de las resoluciones y nuevos rumbos para el resto de personajes. En el caso de Joe, la muerte de su socio y amigo sumado al fracaso que acabó por ser Comet frente competidores más potentes y la ruptura con Cameron, hicieron de la huída su mejor salida. Joe siempre ha sido descrito como un tipo que, cuando ha podido, ha huido buscando nuevos retos. Esta vez, más que una huida ha sido una vuelta a casa, a su ciudad natal (y sede de IBM) y esta vez, dando clases en la universidad.

La conexión esperada

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La reconexión más esperada de la serie es la de Cameron y Donna. Como decíamos antes, la serie forjó en ellas su base emocional a partir de la segunda temporada. Y a través de ellas vimos nacer ese tipo de conexión tan especial. Podrían parecernos muy distintas (no olvidemos que entre ellas hay una diferencia de edad de unos diez años), pero ambas estaban igual de comprometidas en el proyecto de Mutiny. Es por ello que el golpe que supuso el final de su matrimonio laboral y seguir viéndolas apartadas durante gran parte de última temporada acrecentó entre nosotros esa sensación de desazón.

Cada pequeño detalle que podría ser considerado un avance en su posible reconciliación lo vivimos primero a través de Pilgrim, el videojuego de Cameron que Atari acabó descartando por ser de difícil resolución y no encajar con los nuevos estandartes de jugadores. Ver a Donna jugar y pasarse cada una de las pantallas del videojuego, resultó de los más emocionante: quién mejor que ella para entender cómo funciona algo diseñado por Cameron. No fue hasta el octavo capítulo que como espectadores obtuvimos la recompensa de ver una reconciliación entre ellas. La muerte de Gordon afectó a ambas y su duelo ayudó a que dejaran el pasado en el pasado.

Pero el mayor regalo que nos dejó Halt and Catch Fire se hizo esperar hasta el final (o casi). Diane se retira de AGGE y cede su lugar como socia mayoritaria a Donna que, en un bonito gesto de recuerdo del primer proyecto que hizo junto a Gordon, renombra la empresa Symphonic.

El caso de Cameron es bien distinto, y tras soportar algunos meses yendo a reuniones y entrevistas imposibles buscando clientes para sus ideas decide dejarlo, darse un tiempo y viajar para meditarlo. Antes de irse, realiza su última parada en casa de Donna para despedirse… Y a partir de ahí nos encontramos ante los mejores 30 minutos que dejó el último capítulo. No pensábamos que fuéramos a celebrar tanto unas palabras como “tengo una idea”. Sinceramente, poco nos importa en qué vayan a estar trabajando Cameron y Donna mientras vuelvan a trabajar juntas. Ese fue el hábitat en el que se conocieron y en el que las vimos crecer. ¿Qué podría ir mal ahora?

A veces, en las situaciones más insospechadas y con la gente menos esperada, las ideas fluyen y la conexión con el otro es instantánea. Y casi sin tener que articular palabra la otra persona sabe qué estás pensando. Cuántos hemos estado en esta misma situación. Lo que nos ha maravillado ha sido verlo plasmado en Halt and Catch Fire.

‘Antigua y Barbuda’, el nuevo viaje lisérgico de Ángel Stanich

Tras debutar con Camino Ácido (2014), recopilar otras cuatro canciones en Cuatro Truenos Cayeron (2015) y editar hace unos meses un último aperitivo sonoro bajo el nombre de Siboney, Ángel Stanich publica ahora su segundo largo. Antigua y Barbuda es el título de este nuevo trabajo. Pero, ¿qué hay detrás de este peculiar nombre? ¿Qué es Antigua y Barbuda? ¿Es el lugar ideal para dejarse crecer la barba? ¿Es el paraíso de los hipsters? Podría ser, ya que Antigua y Barbuda es uno de los trece países que forman parte de Las Antillas o Islas del mar Caribe. Un lugar idílico bañado por el sol y el agua salada que late al son de los tambores. Pero las referencias a este emplazamiento van más allá del título. Si echamos un vistazo a la colorida portada que envuelve el disco y después observamos la bandera de este lugar situado en el Caribe, no tardaremos mucho en percatarnos de las similitudes existentes entre ambas imágenes. Así, parece evidente que las islas caribeñas han sido una de las fuentes de inspiración a la hora de dar vida a este flamante álbum.

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Antigua y Barbuda se ha llevado a cabo en los estudios Revirock (Dani Alcover) con todos los músicos de la banda de Stanich tocando juntos y grabando al mismo tiempo. Una vez más es Javier Vielba (Arizona Baby, Corizonas) el artista que ha tomado las riendas de la producción con el objetivo de dar forma a un disco compuesto por once canciones que abarcan una interesante mezcla de estilos y que, dentro del universo del cantautor lisérgico, recorren terrenos inexplorados hasta la fecha. En este sentido, nos encontramos con novedades sonoras como la introducción de instrumentos de viento o el uso de herramientas más electrónicas. Respecto a las letras, el mundo surrealista, la acidez lírica, las referencias cinéfilas y las afiladas críticas siguen presentes. Sin embargo, este trabajo lírico, que siempre ha sido críptico, ha ganado si cabe mayor riqueza. Todo ello sin perder los tintes irónicos ni el particular sentido del humor marca de la casa.

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Escupe Fuego es el corte que abre el disco. Una canción que pudo escucharse previamente en algunos de los directos de la banda y una composición que nos brinda una cálida bienvenida. En unos instantes su encendido estribillo te atrapa. Y con un ritmo contagioso sus estrofas logran colarse hábilmente en tu interior. Mientras estas animadas armonías siguen rondando nuestras cabezas, alcanzamos la segunda pieza del álbum. Se trata de Más Se Perdió En Cuba. Aquí nos encontramos con una melodía más pausada. La calma reina a su antojo al comienzo, pero la canción progresa lentamente, va creciendo y deriva en un impetuoso estallido musical. De tal modo que podemos ver cómo Stanich dibuja nuevas líneas sonoras sobre un lienzo renovado. Seguidamente Mátame Camión, primer single de Antigua y Barbuda, irrumpe enérgicamente en nuestro recorrido. Y es que esta canción es un arrollador torbellino de sonidos destinado a convertirse en un hit. Influenciado en parte por la película Amanece Que No Es Poco de José Luis Cuerda, el tema atrae poderosamente al oyente hasta el punto de resultar altamente adictivo.

Galicia Calidade nos devuelve la tranquilidad y nos arropa con un manto más oscuro. Pero ese tono relajado se transforma de golpe, el ritmo da un giro imprevisto y termina con una vertiginosa aceleración final. Entonces llega el turno de Un Día Épico, canción rescatada del EP Siboney. Un corte que podría ser una muestra de esa efectiva combinación de lirismo ácido y exploración de nuevos territorios. Poco a poco hemos alcanzado el ecuador y en este punto los evocadores versos de Casa Dios son los encargados de introducirnos suavemente en la segunda parte del disco.

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Hula Hula nos ofrece una sorprendente propuesta melódica compuesta por una heterogénea colección de elementos y matices musicales innovadores. Stanich se atreve a explorar paisajes desconocidos utilizando una amalgama de recursos electrónicos, secciones de viento y vertientes de diferentes géneros. Estamos ante una impactante maquinaria, extraña en apariencia, que al ponerse en marcha funciona de manera realmente satisfactoria. A continuación, Camaradas nos cuenta una cómica historia que merece la pena escuchar con atención. Una ingeniosa narración de amor imposible y apasionado con el humor de telón de fondo.

Ya en la recta final del álbum, Le Tour ´95  eleva la intensidad y avanza a la velocidad de la luz. Una composición que, utilizando la metáfora del ciclista luchador, nos anima a seguir adelante, a superar la soledad y a enfrentarnos a las situaciones dolorosas. Por otra parte, las delicadas notas de Río Lobos nos deleitan con un emotivo despliegue de sensibilidad musical. Finalmente los acordes de Cosecha sirven de despedida. Así, bajo un aura de melancolía y atravesando las tinieblas, la canción cierra definitivamente el disco.

Puedes escuchar el disco completo en Spotify.

7 películas de la 50 edición del Festival de Sitges que nos han encantado

No podíamos despedirnos del Festival de Sitges sin hacer un ránking de nuestras películas favoritas de esta edición (dentro y fuera de la sección oficial). Apuntad estos títulos y corred al cine cuando se estrenen, no lo lamentaréis.

‘La forma del agua’: el lado más tierno de Guillermo del Toro

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Ganadora del León de Oro en el Festival de Venecia, La forma del agua inauguró el Festival con una calurosa acogida. Sirviéndose de una fotografía clásica y la banda sonora elegante pero juguetona de Alexandre Desplat,  poco a poco la película nos va sumergiendo en una atmósfera de cuento de hadas a la que terminaremos sucumbiendo por el encanto que desprenden sus personajes: una suerte de princesa con mucho más ingenio y sentido del humor que las versiones bidimensionales de Disney (Sally Hawkins), un malo muy malo (Michael Shannon) y, por supuesto, la bestia. Podemos decir sin miedo a equivocarnos que La forma del agua nos desvela el lado no más inocente, pero sí más tierno de Guillermo del Toro, ya que en esta extraordinaria fábula ocupan una posición central conceptos tan sentimentales y emotivos como el amor, la amistad, la soledad o el clásico enfrentamiento entre el bien y el mal.

Lo cierto es que el número acrobático de del Toro en La forma del agua es de alto riesgo y, en ocasiones, hasta sin red. El guion se mueve por la fina línea que separa lo adorable de lo empalagoso sin llegar nunca a caer al vacío, y la narrativa mezcla el romance con una historia de espías digna de la época en la que se enmarca el film. Todo equilibrado gracias también a la pequeña dosis de realismo que aportan los elementos de madurez que del Toro no ha coartado, fiel a su estilo.

Tampoco deberíamos olvidar que esta historia de personas normales y corrientes que se enfrentan a un autoritarismo retrógrado llega en una situación política concreta. Habrá algunos que vean en el último trabajo del director mexicano una bonita fábula sobre el amor, pero otros verán en ella un mensaje claro: “Lo único que necesita el mal para triunfar es que los hombres buenos no hagan nada”.  Sea como fuere, lo cierto es que La forma del agua ha sido una forma extraordinaria de empezar esta 50 edición del Festival de Sitges.

‘Wind River’: a la caza del thriller perfecto

Wind River - 70th Cannes Film Festival, France - 19 May 2017

Taylor Sheridan debuta en la dirección con esta película de suspense en la que seguimos los pasos de un veterano cazador (Jeremy Renner) y una agente novata del FBI (Elizabeth Olsen) en su investigación del asesinato de una chica nativo americana, cuyo cuerpo aparece en la nieve en extrañas circunstancias.

Sheridan utiliza ese ambiente gélido y salvaje para construir un thriller que nunca pierde el ritmo y en el que la tensión no hace más que acumularse gota a gota hasta su resolución final. El director tejano ya demostró en Sicario o Comanchería (nominada al Oscar a mejor guión y mejor película) que sabe bien que la clave para atrapar al espectador en la trama es que empatice con sus personajes. Y para crear esta empatía recurre a una forma de hacer cine de la vieja escuela un tanto olvidada y que muchos añoramos: dejar que sus protagonistas no sean meros autómatas y, de vez en cuando, conversen. Un recurso sencillo y harto abandonado en estos tiempos modernos en el que cada minuto cuenta y que empleado con la mano izquierda con la que escribe Sheridan, no solo da frases para el recuerdo, sino que consigue que el público se meta en la cabeza de los protagonistas y les siga fielmente allá donde vayan.

Y en Wind River vamos hacia un film en el que el caso del asesinato de una chica nativo americana sirve también para tratar un tema político de importancia para el director: el abandono por parte del Gobierno central de las reservas indias. De hecho, expresó en el Festival de Cannes su desprecio por la manera en la que trata la administración a ese estrato demográfico y con la película nos recuerda que ni siquiera se guarda un registro de las mujeres desaparecidas de esta etnia. Un matiz político que nunca falta en los guiones de Sheridan y que enmarca este film cuya guinda es la banda sonora de Nick Cave y Warren Ellis.

‘Loving Vincent’: ¿qué mató a Vincent Van Gogh?

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Años después de la muerte del famoso pintor, un joven llamado Armand Roulin intenta encontrar al hermano de Van Gogh y entregarle la carta que escribió el día anterior a su suicidio. En esta misión, no solo descubriremos posibles alternativas a la versión oficial de la muerte del pintor, sino que se nos abrirá una puerta a su alma.

Aunque el dato que se utiliza para llamar la atención del público sobre Loving Vincent es que es la primera película en pintarse a mano en la historia del cine, con un equipo de cien artistas pintando al óleo los fotogramas al estilo de Van Gogh, y esto indudablemente la convierte en un hermoso espectáculo visual, no es este elemento lo que hace que esta película de animación sea extraordinaria. Lo que consigue que Loving Vincent sea una película redonda es que su guion se aleje del manido biopic y se acerque al estilo de una historia de detectives, intentando resolver el supuesto caso cerrado de la muerte de Van Gogh.

Así, una vez despertada la curiosidad del espectador, los distintos testigos y posibles sospechosos irán revelando datos de su aciaga vida que nunca transcendieron al gran público y que nos aproximarán cada vez más a la esencia de Vincent, sin importarnos ya que fue de Van Gogh.

‘The Killing of a Sacred Deer’: la inmoralidad de la justicia

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The Killing of A Sacred Deer se llevó el Premio a Mejor Guion en el Festival de Cannes y en ella Yorgos Lanthimos nos presenta a Steven Murphy (Colin Farrell), un distinguido cirujano y entregado padre de familia que oculta un secreto: a veces, queda con un adolescente. Estas reuniones acabarán poniendo a Steven en un imposible dilema moral.

The Killing of a Sacred Deer es un corte al bazo y otro al subconsciente. El sentimiento de incomodidad se va colando poco a poco en la mente del espectador a medida que las piezas del puzle van encajando, con un Lanthimos retorcido hasta en su sentido del humor. La familia del doctor Murphy, aparentemente perfecta, poco a poco se va hundiendo en el extraño juego de poder bajo el que se ven sometidos y el público se va derrumbando con ella.

El guion es quirúrgico y aséptico hasta en la forma en la que lo enuncian sus intérpretes, donde despuntan Colin Farrell y Nicole Kidman. Pero quizás el problema de este film sea que Lanthimos se empeña tanto en explotar cada variante que podría tomar la trama, que el metraje al final acaba siendo demasiado prolongado. Por supuesto, cabe advertir que, al igual que el resto de filmografía de Lanthimos, esta película no es para todos los públicos, pero se disfrutará si se conecta con la búsqueda emocional en la que quiere embarcarnos el director griego.

‘Brawl In Cell Block 99’: no habrá paz para los malvados

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Bone Tomahawk, el trabajo anterior del guionista y director S. Craig Zahler, fue una de las películas estrella de la 48ª edición del Festival de Sitges, un western con una tribu de indios caníbales que se llevó el Premio a Mejor Dirección. En Brawl In Cell Block 99, esta vez Zahler nos cuenta la historia de Bradley, un exboxeador que se ve obligado a trabajar transportando droga para un amigo. Sin embargo, uno de los trabajos saldrá mal, resultando herido en un tiroteo y acabando ingresando en la cárcel en la que le chantajearán para realizar actos violentos.

Que S. Craig Zahler se siente atraído por historias preñadas de violencia, ya lo sabíamos por el resto de títulos de su filmografía, y Brawl In Cell Block 99 no iba a ser diferente. La brutalidad de algunas de sus escenas hace que el espectador contenga la respiración y se retuerza en la butaca del cine más de una vez. Sin embargo, el esqueleto de este film no tiene ningún recoveco y la línea narrativa central avanza de forma bastante directa, recayendo todo el peso de la trama en el protagonista y su habilidad para superar los obstáculos que se interponen en su camino.

Es por eso que la pieza clave de Brawl In Cell Block 99 no es otra que el actor protagonista Vince Vaughn. Un intérprete capaz de mostrar ira contenida incluso en los momentos más violentos del film, y a la vez, transmitir en gestos escuetos y sutiles pequeñas dosis de dulzura atípicos en un hombre de sus características. Brawl In Cell Bock 99 no es superior al trabajo anterior de Zahler, pero sí un ejercicio de guion elegante en su simpleza y eficiente en su ejecución.

‘Happy Death Day’: un cumpleaños de muerte

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El día de su cumpleaños empieza como otro cualquiera para Tree, universitaria a la que solo le importa salir de fiesta y pasárselo bien, sin importarle mucho las personas de su alrededor. Sin embargo, lo que Tree no sabe es que este cumpleaños será muy diferente, ya que al caer la noche, será brutalmente asesinada por un enmascarado. Cuál será su sorpresa cuando despierte al instante en la cama y compruebe que no solo sigue viva, sino que vuelve a ser el día de su cumpleaños. Desconoce quién ha intentado matarla, pero pronto descubrirá que no dejará de revivir ese fatídico día hasta que lo averigüe.

¿Qué pasaría si se hiciera un slasher de Atrapado en el tiempo? Pues que obtendríamos un film cuyo único objetivo es entretener y divertir al público y Happy Death Day lo cumple al cien por cien. Esta película tiene la virtud de un producto que sabe lo que es y sabe utilizar sus recursos, que aunque escasos, funcionan para dar ritmo a un guion que se mueve en el bucle temporal sin agotar al espectador, sino más bien al contrario, haciéndolo cómplice.

Esto en parte se debe a la mezcla de la tensión típica del género y los diálogos cómicos dignos de Mean Girls, y en gran parte al carisma de su actriz protagonista, la desconocida Jessica Rothe, cuyo mayor mérito hasta la fecha ha sido ser la compañera de piso de Emma Stone en La La Land. Aunque después de este personaje, vaticinamos que la veremos en muchos otros papeles de este estilo en un futuro próximo. De momento, Happy Death Day ya ha superado en la taquilla estadounidense a Blade Runner 2049 con una recaudación de 26,5 millones de dólares.

‘How To Talk To Girls At Parties’: la revolución punk llega al espacio

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John Cameron Mitchell (Hedwig and The Angry Inch) vuelve a dirigir cine después de un parón de siete años para adaptar este relato corto de Neil Gaiman publicado en 2006. Ambientado en la Inglaterra de los años setenta, la película nos cuenta como Enn, un adolescente punk, conoce a Zan, una chica un tanto peculiar que viene de otro planeta.

El primer acto de este relato interestelar entra como una bala, adentrándonos en la pequeña revolución punk de Enn y sus dos amigos en los suburbios de Londres que tiene su momento culmen en una fiesta algo peculiar en la que el látex campa a sus anchas y los trucos acrobáticos no escasean. Sin embargo, el film pierde fuerza hacia la mitad del metraje, con un guion que da bandazos alrededor de los personajes de Zan y Enn, sin llegar nunca a la esencia de su relación. Afortunadamente, en el tercer acto, Nicole Kidman se encarga de recoger la antorcha y, como reina de los punks (o reina de los goblins por su aspecto) lleva el film a buen puerto, al que se suma una Ruth Wilson desternillante, en el que puede que sea su papel más cómico hasta la fecha.

Lo cierto es que puede que a John Cameron Mitchell y su coguionista Philippa Gosletta les haya pesado el ligero número de páginas del relato de Gaiman (dieciocho en concreto) y de ahí que su guion se desmenuce ligeramente hacia la mitad del film, pero eso no quita que How To Talk To Girls At Parties sea una más que digna adaptación y una película más que disfrutable, con una Elle Fanning que sabe capturar la extrañeza y dulzura de su personaje y una Inglaterra setentera de fondo que nos muestra un país muy diferente al actual, uno que suena a los Sex Pistols y los Buzzcocks y no al rancio Brexit.

Palmarés del Festival de Sitges 2017: ‘Jupiter’s Moon’ gana el Premio a Mejor Película

Hoy es el último día de la 50 edición del Festival de Sitges con una programación destinada solo a maratones de películas, pero el lado bueno es que ya tenemos el palmarés. El nivel general de las películas proyectadas este año ha sido superior al del año pasado y estamos bastante de acuerdo con los premios, especialmente con el Premio Mejor Interpretación Masculina a Rafe Spall por su gran papel en The Ritual y el Premio Noves Visions One a Dave Made a Maze. Si bien nos sorprende que el Premio Mejor Película haya recaído en la nefasta Jupiter’s Moon. Aquí tenéis el palmarés al completo:

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Mejor película: JUPITER’S MOON, de Kornél Mundruczó

Premio especial del jurado: THELMA, de Joachim Trier

Mejor dirección (patrocinado per Gas Natural Fenosa): Coralie Fargeat, por REVENGE

Mejor interpretación femenina: Marsha Timothy, per MARLINA THE MURDERER IN FOUR ACTS

Mejor interpretación masculina (patrocinado per Autolica – Mercedes Benz): Rafe Spall, por THE RITUAL

Mejor guión: Joachim Trier y Eskil Vogt, por THELMA

Mejores efectos especiales: Ferenc Deák, por JUPITER’S MOON

Mejor fotografía: Andrew Droz Palermo, por A GHOST STORY

Gran premio del público (patrocinado por La Vanguardia): MATAR A DIOS

Mejor cortometraje: R.I.P, de Pintó & Caye

 

Focus Àsia

A SPECIAL LADY, de Lee An-kyu

Mención especial: MARLINA THE MURDERER IN FOUR ACTS, de Mouly Surya

 

Anima’t

Mejor película: TEHRAN TABOO, d’Ali Soozandeh

Millor cortometraje: HYBRIDS, de Florian Brauch, Matthieu Pujol, Kim Tailhades, Yohan Thireau y Romain Thirion

 

Noves Visions One

DAVE MADE A MAZE, de Bill Watterson

Mención especial: KUSO, d’steve

 

Noves Visions Plus

Mejor película: DAWSON CITY: FROZEN TIME, de Bill Morrison

 

Noves Visions Petit Format

Mejor cortometraje: HOISSURU, de Armand Rovira

 

Panorama Fantàstic

CREEP 2, de Patrick Brice

 

Panorama Documenta

Premio del público a la mejor película: 78/52, de Alexandre O. Phillipe

 

Òrbita

THE BATTLESHIP ISLAND, de Ryoo Seung-wan

 

Jurado de la crítica

Premio de la crítica – José Luis Guarner

Ex aequo

AS BOAS MANEIRAS, de Juliana Rojas y Marco Dutra

THE KILLING OF A SACRED DEER, de Yorgos Lanthimos

 

Premio Citizen Kane a la mejor dirección novel

Coralie Fargeat, por REVENGE

 

Mejor película Discovery

BRIGSBY BEAR, de Dave McCary

 

Jurado Carnet Jove

Mejor película: A GHOST STORY, de David Lowery

Mejor película de Midnight X-Treme: ANNA AND THE APOCALYPSE, de John McPhail

 

Premio Brigadoon Paul Naschy

CUERNO DE HUESO, de Adrián López

 

Samsung Sitges Cocoon

Mejor película en realidad virtual: KNIVES, de Adam Cosco

Mención especial: RAY, de Rafael Pavón

Premio del público a la mejor película en realidad virtual: ALTERATION, de Jérôme Blanquet

 

Méliès

Méliès de plata a la mejor película: THELMA, de Joachim Trier

Méliès de plata al mejor cortometraje: EXPIRE, de Magalí Magistry

 

Blood Window

MADRAZA, de Hernan Aguilar

Mención especial a la mejor actriz: Isabél Zuaa, por AS BOAS MANEIRAS

 

Premios SGAE Nova Autoria

Mejor cortometraje: CELEBRACIÓ, de Pau Cruanyes y Gerard Vidal

Mejor guión: Anna Agulló, por UNA CAJA CERRADA

Mejor música original: Joan Masats, per SESGO, UNA HISTORIA DE PREJUICIOS Y GOLOSINAS

Mención especial: LA FUGA DE LOS 45, de Cristina Caamaño

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Festival de Sitges 2017: el optimismo se apodera del festival

La 50 edición del Festival de Sitges llega hoy a su fin para nosotras, aunque la programación cuenta con un día más. Nos despedimos del festival con tres películas que nos dejan con buen sabor de boca por su línea optimista: Before We Vanish, una película japonesa de ciencia ficción, Dave Made A Maze, película estadounidense con un laberinto de cartón como protagonista y Lu Over The Wall, el último trabajo del director y animador Masaaki Yuasa.

Before We Vanish: el amor salvará el mundo

before_we_vanish_sitges_2017En plena crisis de pareja, Shinji desaparece de la faz de la tierra. Cuando vuelve a casa, afirma no recordar nada ni a nadie de su vida, ni siquiera estar casado con Narumi. En esos instantes, una familia es brutalmente asesinada por una adolescente y un periodista da con un joven extraño que ha dejado a sus padres en un estado de éxtasis silencioso.

El director japonés Kiyoshi Kurosawa utiliza el género de la ciencia ficción en su forma más alegórica con este relato minimalista sobre la naturaleza del ser humano. El esqueleto del film se apoya en tres líneas narrativas que funcionan como motores para avanzar la trama, pero el director nipón consigue dar ritmo al guion sirviéndose de los momentos cómicos y despertando la curiosidad del espectador con los eventos más alienígenas.

Aunque narrativamente, Before We Vanish esté mucho mejor estructurada y más elaborada que su último trabajo, Le secret de la chambre noire, lo cierto es que como suele ser habitual en los títulos de Kurosawa, la película peca de un metraje dilatado de manera injustificada. Un defecto que podría ser fácilmente corregido y terminaría de redondear un film que nos presenta la versión más ligera y optimista del director japonés.

Dave Made a Maze: el laberinto de las maravillas

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Dave, un artista desempleado construye un laberinto de cartón en medio de su salón. El problema es que la construcción se le ha ido de las manos y ha cobrado vida propia, siendo más grande por dentro de lo que parece en el exterior. Al perderse en su propio laberinto, su novia Annie y varios amigos organizarán una expedición al laberinto para rescatarle.

Está claro que donde se ha empleado más esfuerzo y donde destaca esta película es en el diseño de producción, con unos sets hechos enteramente de cartón que dejan volar libre a la imaginación. Sin embargo, Dave Made a Maze también se basa en un concepto con una gran carga simbólica: la idea de una persona en plena crisis existencial que se encuentra atrapada en su propio mundo y del que sale con el apoyo de sus seres queridos, pero en última instancia, a través de la maduración personal.

Es una lástima que la luminosidad de la metáfora del laberinto eclipse el desarrollo de sus personajes, de los que varios de ellos solo están presentes como elemento cómico. No obstante, no debemos olvidar tampoco que esta es la primera película que dirige y escribe Bill Watterson y, como ópera prima, demuestra tener mucho potencial y promete ofrecernos obras muy interesantes en el futuro dentro del panorama del cine indie.

Lu Over The Wall: las sirenas también bailan

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Kai vive en un pueblo pesquero sin interés alguno por lo que ocurre a su alrededor. Un día, el chico conoce a Lu, una sirena a la que le encanta la música y a la que introduce en su grupo de música. Sin embargo, cuando los habitantes del pueblo descubran a la sirena, los vecinos se dividirán entre los que quieren explotarla como una atracción para los turistas y los que vean en ella una amenaza que hay que eliminar.

El animador y director Masaaki Yuasa tiene doble presencia en esta edición del Festival de Sitges, en el que ha presentado sus dos últimos trabajos: The Night Is Short, Walk On Girl y Lu Over The Wall, el título que nos ocupa. Su estilo de animación extremadamente realista para los fondos contrasta con el estilo sencillo y poco preciso con el que traza las expresiones faciales de sus personajes, lo cual le hace distinguirse formalmente de otros animadores nipones ya conocidos por los admiradores del anime.

Lu Over The Wall es una pequeña fábula que ofrece un pequeño giro moderno a la ya tan trillada historia de “humano conoce a sirena”, pero que se queda lejos de ofrecer un film redondo. Su mejor baza es su adorable protagonista y su moraleja, advirtiendo del peligro de identificar a algo como una amenaza solo por mero desconocimiento y la defensa del derecho de cada uno a encontrar su camino, sin la obligación de tener que seguir el de sus predecesores.

Y eso es todo para nosotras desde el Festival de Sitges, esperamos que hayáis disfrutado de nuestras crónicas y esperamos volver el año que viene con fuerzas renovadas.

Estrenos en crudo: si ‘Blade Runner’ se reestrena, no hay nada más que ver

Porque hoy en día la vida está muy cara y nadie quiere desperdiciar una entrada de cine para ver un bodrio, aquí estoy yo para hacer el trabajo sucio por vosotros: leer las sinopsis de los estrenos con lupa y ver los tráilers con ojos de elfo. Aquí tenéis las cosas claras y los estrenos en crudo:

Mal genio

Director: Michel Hazanavicius

Lo que os cuenta la sinopsis
París 1967. Jean-Luc Godard, el cineasta más famoso de su generación, está rodando “La Chinoise” con la mujer que ama, Anne Wiazemsky, casi 20 años menor que él. Felices y enamorados, deciden casarse. Sin embargo, la negativa recepción de la película desencadena en Jean-Luc una profunda crisis existencial, crisis que se agravará con los acontecimientos de Mayo del 68.

Lo que os cuenta PLopezD
Grata sorpresa me he llevado al ver que el director de The Artist había vuelto a la pantalla grande y con una comedia en la que ironiza, con cariño y respeto, sobre la figura de Jean-Luc Godard. Sin duda, una de las mejores opciones de entre las novedades. Veremos si Hazanavicius nos vuelve a deleitar con otra historia del cine, dentro del cine.

Canción de Nueva York

Director: Marc Webb

Lo que os cuenta la sinopsis
Un joven neoyorquino descubre que su estricto y autoritario padre está teniendo una aventura extra matrimonial. Al intentar detenerlo iniciará también una relación afectiva con la citada mujer.

Lo que os cuenta PLopezD
Leo la sinopsis y pienso: que pinta de telefilm tiene. Veo que el director es el de 500 días juntos y pienso: ve el tráiler, quizá no sea lo que aparenta ser. Veo el tráiler y… bueno, sigue teniendo pinta de telefilm. Así que, ya sabéis, para ver una tarde de domingo en casa.

El muñeco de nieve

Director: Tomas Alfredson

Lo que os cuenta la sinopsis
Al investigar la desaparición de una víctima durante la primera nevada del invierno, el detective de una brigada de investigación de élite (Michael Fassbender) empieza a sospechar que un asesino en serie vuelve a estar activo. Con la ayuda de una brillante y perspicaz agente (Rebecca Ferguson) el policía encajará las piezas del rompecabezas a partir de antiguos casos sin resolver para conectarlos con el último brutal acontecimiento y así adelantarse al cruel asesino que volverá a actuar, antes de la próxima nevada.

Lo que os cuenta PLopezD
Cine policíaco con los suficientes giros de guión, o eso parece, como para mantenernos hasta el final con la intriga. Si además le sumamos un reparto más que solvente encabezado por Michael Fassbender me parece una más que decente opción para ir a pasar un rato entretenido al cine.

Una mujer fantástica

Director: Sebastián Lelio

Lo que os cuenta la sinopsis
Marina es una joven camarera y aspirante a cantante; Orlando es dueño de una imprenta. Ambos planean un futuro juntos. Cuando Orlando muere repentinamente, Marina se ve obligada a enfrentarse a su familia y a la sociedad para demostrar lo que ella es: una mujer compleja, fuerte, honesta… fantástica.

Lo que os cuenta PLopezD
Aquí los gafapasta, lo digo con cariño que yo soy una de vosotros, os vais a echar encima de mí, pero es que creo que el bueno de Sebastián Lelio se está intentando marcar un Pedro Almodóvar y, claro, Almodóvar sólo hay uno. Comprobaré si Marina es tan fantástica como reza el título de la película viéndola desde la comodidad que me ofrece el salón de mi casa.

Blade Runner (The Final Cut – reestaurata en 4K)

Director: Ridley Scott

Lo que os cuenta la sinopsis
A principios del siglo XXI, la poderosa Tyrell Corporation creó, gracias a los avances de la ingeniería genética, un robot llamado Nexus 6, un ser virtualmente idéntico al hombre pero superior a él en fuerza y agilidad, al que se dio el nombre de Replicante. Estos robots trabajaban como esclavos en las colonias exteriores de la Tierra. Después de la sangrienta rebelión de un equipo de Nexus-6, los Replicantes fueron desterrados de la Tierra. Brigadas especiales de policía, los Blade Runners, tenían órdenes de matar a todos los que no hubieran acatado la condena. Pero a esto no se le llamaba ejecución, se le llamaba “retiro”. Tras un grave incidente, el ex Blade Runner Rick Deckard es llamado de nuevo al servicio para encontrar y “retirar” a unos replicantes rebeldes.

Lo que os cuenta PLopezD
No, no me he vuelto loca ni estamos en 1982. Sencillamente y aprovechando el estreno de Blade Runner 2049 se reestrena esta obra maestra con el montaje de su director y restaurada en 4K. Después de lo que ya os dije la semana pasada acerca del universo de Blade Runner no me quiero repetir para no hacerme pesada. Tan sólo os diré, que el mejor plan de cine es hacer una sesión doble con Blade Runner + Blade Runner 2049 y morir de gusto y amor por el cine.

 

 

Joana Serrat reafirma su talento con ‘Dripping Springs’

“Siempre digo que me gustan los meandros: en lugar de trazar una línea recta entre la A y la B, yo me pierdo”

La propietaria de la frase es Joana Serrat, una joven cantautora de Vic que un día decidió lanzarse sin paracaídas al vertiginoso abismo musical. Criada entre vinilos de Roy Orbison, Neil Young y Bob Dylan, su personalidad musical fue madurando conjuntamente con ella. Abrazando los sonidos de la música americana, el folk y el pop, Joana ha aprendido a construir maravillosos temas. Temas que son relatos de sus experiencias más personales, elaborados con un lenguaje tremendamente evocador.

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Como de ser valientes también va esto de la vida, un día se atrevió a buscar en Internet la dirección de su productor favorito y mandarle un e-mail con sus maquetas. Así comenzó su personal aventura en esto de la música.

Nadie le había explicado lo difícil del camino. Encontrar productor, sello y músicos fue complejo y lleno de nervios y dudas. Objetivos que parecían inalcanzables y un final que se veía demasiado lejos. Y en medio de todo esto y por si no fuera suficiente, llegó a perder la voz por el estrés. Finalmente, el arrojo y la tenacidad tuvieron recompensa.

Conquistado Howard Bilerman, al que seguro identificareis si decimos que es el manager de Arcade Fire, llegó la discográfica que editó su trabajo. Dear great canyon, se convirtió en un disco que iba seduciendo desde sus más tempranos pasos. Discreta en su corteza externa, su constancia y empuje le llevaron a crear una discografía realmente exquisita. Con mimo y paciencia, Joana lo ha tenido muy claro desde el principio. Lo suyo era conjugar letras y sonidos, arropándolos con una voz, la suya, llena de nitidez, sensibilidad y consistencia.

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Ahora en 2017 llega con nuevo disco editado a finales de septiembre a través de su propia discográfica: Great Canyon Records. Dripping springs es su sugerente título, además de la ciudad donde el álbum se creó. Un trabajo gestado desde la experiencia y la madurez de su carrera, pues como ella misma dice ha aprendido a base de golpes y ya no tiene veinte años.

Este cuarto trabajo ha tenido un productor de lujo: Israel Nash. Y es que Joana siempre ha tenido muy claro a dónde quiere llegar y con quien le interesa hacer el camino. Durante los días de grabación, la química entre Joanna Serrat y sus músicos se sucedió de manera natural y continuada. Una conexión espontánea y sorprendente, que parecía más propia de una banda que llevase años ensayando y tocando juntos. Y así de este modo el disco se fue gestando, adquiriendo el poso de un trabajo reposado y contundente.

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Estamos según la crítica ante su mejor álbum, el más completo y el más redondo a nivel sonoro. Un trabajo en el cual sus anteriores virtudes como cantautora se ven aumentadas exponencialmente. Temas donde su voz se funde a la perfección entre los personales sonidos sureños. Producido con acierto y mucho cariño, Joana arropa en cada tema al oyente y le permite descubrir nuevos matices en cada escucha. Tímida y lentamente, sin apenas darnos cuenta, nos va envolviendo en una nebulosa llena de magia interpretativa. Y es que si en algo destaca Joana es en abarcar a través de sus sonidos un universo de emociones con extrema delicadeza. Un álbum en definitiva para disfrutar lentamente, lleno de sensibilidad, talento y trabajo.

Con el aroma del folk presente en cada surco de su último disco, os dejamos con la playlist de Dripping Springs. ¡Ya estáis tardando en darle al play!

Playlist de Dripping Springs de Joana Serrat

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– Western cold wind

– Lost battles

-Trapped in the fog

– Unnamed

– Farewell

– Shadows of time

– Candles

– Come closer

– The garden

– Walk in sin

– Keep on fallin’